台灣服飾品牌 SYDNNI 繡工蕾絲系列

立體花紋、網狀鏤空，SYDNNI 擅長以蕾絲營造單品豐富層次感。不同於一般平織和針織布，蕾絲收邊處更搞剛，否則會留下鬚線或參差不齊尷尬狀；品牌大量使用的蕾絲側邊應證純熟工法。

罩衫、拉鍊外套，讓穿者在小性感透膚情況下又有洛可可華麗感。特別是市面上少見的蕾絲長褲，如能駕馭好這件那會是穿者衣櫥的風格款（也有黑色）。

台灣服飾品牌 SYDNNI：邊線花語

花瓣摺、罌粟領和綁帶也是品牌慣用手法，收邊處以「花」為概念為特定單品寫下浪漫故事。

薄紗上衣層疊花瓣以輕透材質透出，在後背隱約透出女性該有的鏤空性感；罌粟領黑襯衫透過立體花瓣摺塑造層次陰影，平衡深色基底的沈穩與造型；粉色綁帶連身褲利用前中打結形成領口結構點出浪漫元素，綁帶可多方位置繫綁是可以三種穿法的單品。

台灣服飾品牌 SYDNNI：輕透薄紗

選用低彩度與飽和亮色並置的薄紗材質，透過自然皺褶與光線折射形成介於肌膚與服裝之間的光影流動。品牌以內層花朵、蕾絲及格紋，讓外層薄紗透明特質成為上述單品的過濾層，弱化銳利邊界，呈現柔化後的感官。

這是市場少見的外搭單品，有白、橙、黑等顏色。讀者可依自己喜好，隨著薄紗特點穿透我們視覺既定印象。

 

SYDNNI 品牌官網

SYDNNI Instagram

SYDNNI Facebook

時裝說：「最近筆者觀察的市場針織鏤空格紋逐步帶起穿搭風潮，蕾絲、薄紗作為穿搭時裝單品目前偏少。這元素帶出單品半穿透的模糊視野，是筆者喜歡的，有機會再為穿搭市場帶出新風格。」

一、品牌誕生與創辦人視角｜初衷與理念

放下穩定，拾起熱情的創業起點

Sydney Ma 在進入服裝產業前，原本任職於科技公司，與現任合夥人因工作結識。當時雖然事業穩定，卻開始思考未來的發展與人生方向。「如果可以更好，為什麼不去做？」對服裝的熱情，驅動他放下既有穩定，投入創業。原本計畫在三十歲之後再開始，合夥人的一句「何不現在？」成為契機。

品牌初期以選品為切入點，但因最低採購門檻與庫存壓力，不久即意識到選品路線難以長期經營。2021 年底，他們在跨年之際決定轉型，開始規劃自主設計。隔年六月七日，MANICHIACHIA 正式上線。

對 Sydney 而言，「慢時尚」並非標語，而是實踐。「我不想單純談生產速度，服裝產業天生存在大量浪費。我希望品牌能創造經得起時間、能被長期穿著的衣物，盡量避免不必要的生產與庫存。」這種態度，構成 MANICHIACHIA 所有系列的核心邏輯。

 

品牌名稱「MANICHIACHIA」的寓意與定位

「MANI」來自 Sydney 父母給他的另一個名字，音韻輕巧，寓意著「錢」也象徵順遂。最初公司登記需要名稱時，他決定將此字納入品牌，與合夥人的名字結合，形成現今的 MANICHIACHIA，也寓意「錢加加」這多好。

 

他坦言，不希望品牌僅是個人化身：「許多設計師品牌直接使用本名，但我希望它承載更大的想像空間，是一種共創願景，不是單一個人延伸。」有趣的是，一開始擔心大家還會覺得這名字比較難記，如今這個名字已成為辨識度與幽默感兼具的記號。

二、設計語言與膠囊衣櫥｜極簡與日常的建構哲學

極簡生活習慣如何轉化為品牌精神

Sydney Ma 從小便展現出對「整理」與「留白」的偏好。孩童時期，他每隔兩週便會清理房間，將不必要的物件移出，夜晚也常在筆記本中記錄自己真正想留下的單品與家具。直到長大後，他才意識到，這種習慣已經在過著「極簡生活」。

 

大學離家生活後，Sydney 發現身邊同儕擁有大量化妝品與衣物，反觀自己，行李與衣櫃始終保持簡潔。「品牌的方向，其實來自這份個人習慣。我不想隨潮流起伏，只希望做出能長久穿著、能應對不同場合的單品。」他說。

在 MANICHIACHIA 的設計邏輯中，「可重複搭配」 以色彩為核心。黑、白、灰為主軸，偶爾加入淡藍色作為平衡與亮點。「長時間使用」 則仰賴布料選擇與測試。Sydney 親自送面料至工廠進行磨耗檢測，觀察起毛與耐用度，決定是否納入生產。他坦言：「布料產地不是首要，韓國、日本或中國皆有採購，最重要的是手感與穿著效果。」對於消費者，他強調最終感受勝於標籤，「消費者摸到成衣那一刻，才是真正決定。」

 

布料與版型選擇的核心邏輯

MANICHIACHIA 的布料選擇，兼顧舒適與結構感。莫代爾與萊賽爾成為常用素材，柔軟、親膚，能開發多種基本款式。Sydney 認為，這些布料適合品牌的舒適基調，也符合商業需求。然而，品牌不輕易開發過度休閒的材質。「例如棉麻西裝，雖輕薄，但過於隨性，不足以撐起品牌想表達的俐落感。」

版型上，他以自身身形需求為出發點。「許多女性在副乳、腰線比例上不易找到合適剪裁，我自己也會思考如何拉長比例、修飾線條。與其討好所有人，不如精準回應特定身形的需求，打造清楚輪廓。」

 

 

經典單品「氣場褲」的誕生過程

品牌首款推出的「氣場褲」，至今仍為長銷單品。Sydney 回憶開發過程時表示：「第一個原則是經得起時間考驗，明年後年都能穿。」褲型以高腰與 A 字版型為基礎，強調顯高與修飾腰臀比例，並透過俐落線條打造獨特存在感。

「市面上西裝褲多半是直筒或喇叭，很少有兼具設計感與實穿性的選擇。」為了讓看似簡單的褲款穿起來真正舒適，他與打版師反覆試樣，測試多款布料，調整腰頭結構與布料挺度。「『氣場』不是誇張的氣勢，而是一種乾淨俐落的氣質。」Sydney 說。

三、品牌經營與市場互動｜挑戰、客群與合作

客戶的回饋，超越銷售數字

在 MANICHIACHIA 的日常經營裡，Sydney 記得不少忠實顧客，甚至能叫出他們的名字。其中有一位長期支持者，每逢新品上市都會詢問「哪件適合我？」今年三週年活動，她全身穿著品牌服裝出席，並與 Sydney 短暫交談。

活動後，對方傳來訊息，提及自己在人生遇到瓶頸，因參與品牌展覽而獲得動力與靈感。Sydney 說：「那時我很驚訝。品牌舉辦活動原本是為宣傳與互動，但沒想到能啟發別人的生活，這種回饋是金錢無法衡量的。」

跨界合作與通路拓展的期待

Sydney 坦言，異業合作一直是 MANICHIACHIA 的目標之一。「我本身喜歡做企劃，從品牌三週年展售到最近舉辦的《我的美，不只一種樣子》，這些企劃都讓品牌更有層次。」他透露，飯店產業一直是他想合作的領域，但必須等待時機與合適的夥伴。「銷售通路拓展也在計畫中，這需要雙方意願與條件的成熟。」

 

美感與市場的平衡

作為設計師，同時也是 Podcast《悉妮慢聊》的主持人，Sydney 時常思考品牌在「美感」與「市場」之間的平衡。

「我們分成基本款與設計款兩條線，」他說。「莫代爾系列與修飾感褲裝是基礎支柱，而洋裝與西裝系列則維持品牌形象。」

他坦言，設計師品牌常被期待以設計款為主，但現實情況恰好相反。「像我今天穿的平口上衣，雖然是設計款，但許多客人因上班場合限制而無法購買。」有人曾問他：「你們能與日牌競爭嗎？」他的回答是：「我們用好的布料，確保品質，即使不是量產品牌，也能建立競爭力。」

四、關於 Podcast《悉妮慢聊》｜一個連結美學與生活的頻道

從服裝到聲音：跨出品牌框架

Sydney Ma 在創立 MANICHIACHIA 後，於 2023 年啟動個人 Podcast《悉妮慢聊》。與品牌服裝風格不同，Podcast 採取輕鬆語氣與生活視角，不以設計為主題，而是作為連結外界與產業的另一扇窗口。

「離開科技業後，我在時尚圈幾乎沒有認識的人。Podcast 讓我能與不同領域的美學工作者交流，從時尚編輯到彩妝師，甚至花藝師與攝影師，這是一個擴展人脈與視角的平臺。」Sydney 表示。「服裝品牌需要穩定調性，而 Podcast 才能呈現更多幕後故事與生活感。」

 

以生活為起點的對話選題

《悉妮慢聊》陸續訪過專職美妝KOL、時尚編輯、品牌主理人；在挑選來賓時，Sydney 兼顧主題呼應與個人好奇心。節目內容有時配合節日或時令，例如七夕專訪攝影師、婦女節專訪女性創作者；有時則純粹基於興趣或合作機會。「Podcast 是品牌的另一面，它走進日常，而服裝則拉出距離感，維持美感秩序。」Sydney Ma 如是說。

五、三週年回顧與未來展望｜品牌的時間性與文化定位

面對不安，接受自己與品牌的成長

 

回顧三年，Sydney Ma 最有成就感的時刻，是三週年當天的慶祝活動。

「那是唯一一次，我沒有批判自己，」他說。「平時看著掛在衣架上的成衣，我總懷疑當初為什麼會做出這些設計，或覺得它們擺在一起並不特別出色。男友常提醒我：你每天依然穿著它們，它們搭配起來很好看，只是三年來掛在那裡，讓你產生視覺疲乏。」

Sydney 說，經營品牌後，冒牌者症候群成為常態。「我不是科班出身，只是透過進修進入服裝領域。有時甚至會覺得自己不夠格。但老師告訴我：理解版型到一定程度，剩下的交給專業版師即可，不必事事親力親為。」

他認為，許多人在不同面向都會感到不自信，對他來說，這份不安只存在於品牌經營中。「感情與職場上的我從不懷疑自己，但當作品要交由他人評價時，那才是最脆弱的時刻。」

 

將目光放向海外

對未來，Sydney 的目標明確：「我希望 MANICHIACHIA 成為能在國際市場立足的品牌。」

他的計畫包括穩固台灣的現金流，同時拓展海外銷售，尤其鎖定一線城市與新興市場。「印度是一個可能的選擇，而巴黎，則是我心中的終極目標。」

對他來說，這並非僅是銷售擴張，而是讓品牌設計語言能在更大舞台被看見，承接三年積累後的全新篇章。

MANICHIACHIA 品牌官網

MANICHIACHIA Instagram

MANICHIACHIA Facebook

Podcast 《悉妮慢聊》

 

時裝說

成立品牌猶豫的鼓勵、營運過程中對自己的懷疑，Sydney 合夥人及男友提供第三人視角為 Sydney 理性解析當下情況。不論創業和伴侶，人選當真重要。MANICHIACHIA 是時裝說第二家目前未曾出沒臺北時裝週的專訪台灣品牌，筆者詢問這是品牌的選擇（第一家也是），卻也是在台灣時裝市場提供讀者可供美麗俐落優雅自信的台牌選擇。

 

認識完整訪談+專訪影片，都在《時裝說》訂閱集資專案的訂閱讀者專屬頁面裡。支持並訂閱我們，或希望我們能經營下去也都歡迎，《時裝說》將陸續解鎖新服務，集結眾人之力為台灣時裝品牌而說。

台灣服飾品牌 SPFLOE：灑脫之中 自有分寸

一家時裝品牌不僅是產品的設計，同時在社群向市場宣告「你是誰」進而吸引想成為品牌所書寫的故事、風格和氛圍。

SPFLOE 營造的

• 鬆弛感（Ease）
• 都會感（Urban）
• 率性（Unbothered）

僅獻給知道自己是誰、在做什麼，生活中懂得有意識放鬆、舉手投足間充滿自信、瀟灑、不羈。

台灣服飾品牌 SPFLOE：男裝

左：麂皮質感領片與主體布料形成低對比異材質色階拼接，為簡約外觀注入微層次。

中：以寬鬆輪廓為基底，胸前中心壓褶設計打破傳統襯衫對稱感，將視覺重心輕微轉移，創造動態張力與非標準對稱的穿著姿態。

右：背部以「外露車線」與「原布斷邊」線條刻意斷裂錯位，模糊縫線與結構的功能邊界，呈現解構後重組的敘事。

台灣服飾品牌 SPFLOE：女裝

左：單品採用挺度適中的斜紋布（twill weave）製作，維持版型立體輪廓同時保有穿著柔順感受。翻領處以異材質絨面布料拼接，呼應整體設計中低調卻有力的視覺張力。

中：採兩穿概念的洋裝，在肩帶放下時能顯現剪裁勾勒女子身材線條；執起肩帶可為層次感無袖上衣。無袖高領設計，強化肩頸輪廓與身形線條流暢度。

右：採無肩帶設計，強調肩膀與鎖骨的裸露線條，以利落布面勾勒出簡潔而有力的身體剪影。

台灣服飾品牌 SPFLOE：情人企劃 致敬藝術

今年二月份情人節，SPFLOE 藉20世紀三名傳世藝術家 René Margritte, Marina Abramović, Félix González-Torres 對戀人之間盲目、拉扯及同步概念展開的情人節三部曲，使筆者留下對品牌的記憶點。

都說時裝品牌營造的是讓人嚮往的氛圍和生活，SPFLOE 帶出屬於自己時裝氛圍，跳脫時裝之上的藝術創作讓品牌高度再上一層。

View this post on Instagram

A post shared by spfloe (@spfloe_)

SPFLOE 於 Lalaport 南港快閃中

筆者親自實摸，布料親膚涼感透氣；擅長使用打褶、異紋同色布料拼接創作，即使穿上一件單品也能有視覺層次。男裝用的機能西裝布也同樣作為女裝單品以保證系列一致性與高級感。

同時現場有滿額贈禮

Lalaport 南港 3F

Yinhao 選品櫃

11 Jul. – 15 Aug.

 

SPFLOE 品牌官網

SPFLOE Instagram

SPFLOE Facebook

SPFLOE 官方 LINE

時裝說

最近筆者有感品牌社群經營對於品牌本身是第二重要的經營日常。SPFLOE 是筆者近期因社群而認識的品牌之一；被圈粉順勢體現吸粉能力。

#DAMUR SS26 Collection

Source : Marcus Hartelt

左：大範圍鏤空露出胸腹，雙袖延展至手腕，輪廓緊湊，突顯身體肌理與張力。

中：合身剪裁延伸至膝下，強調身形輪廓。大面積鏤空設計以圓形洞洞貫穿全身，露出肌膚與腿部。

右：格紋裙採不對稱抽皺設計，裙擺自然垂墜並附長條綁帶，強調動態與手工細節。

Source : Marcus Hartelt

左：鏤空挖洞連衣裙以貼身剪裁呈現身形曲線；胸口與腰側運用大面積鏤空，強調身體輪廓與裸露張力。

中：胸前大鏤空引出視覺焦點，搭配中空背部與緊身下身設計，帶出流線型輪廓與天生性徵下面一大包。

右：現在流行的短上衣再短到胸前，鏤空設計與錯位剪裁，露出胸膛與手臂肌肉線條，袖身延伸至手腕。黑白棋盤格鏤空連衣裙，挖洞剪裁處帶出前胸線條與腰線。

Source : Marcus Hartelt

左：短版電藍運動型上衣、高衩泳褲皆開鏤空，融合運動與性感元素，以螢光桃紅輪廓凸顯視覺強度。

中：一件式泳裝以多孔洞剪裁構成垂直排列，強化腰腹與側身的視覺流動；高衩設計與低背剪裁提升性感張力。

右：短版棋盤格紋上衣，胸下截斷設計露出腹部再搭配經典 #DAMUR LOGO壓紋；黑色丹寧外套以經典波浪紋做開襟要素，內裡加入橘線滾邊也是凸顯視覺。

Source : Marcus Hartelt

左：白色短T印有「###」圖騰符號，黑色丹寧短版外套，胸前兩側亦設有品牌標誌愛心鏤空，紅邊勾勒呼應下身。

中：西裝外套結構硬挺，胸口鏤空愛心造型與內搭橘紅三角內衣形成對比，強化服裝與肌膚的張力關係。

右：藍底紅線條紋短版外套，衣身波浪紋宣布品牌主權，開襟處僅用項鍊與胸貼點綴，延續系列中的挑釁視覺與身體主權議題。

Source : Shawn Sun 孫邦維

#DAMUR SS26 濕透全場

 

秀後，不再有與會者和表演者分別，全場以本季主題《Get Wet》展開，大家依循「泳裝靈感」dresscode，以網紗、乳膠、泳鏡、亮片與濕潤質地沾淋全身表達對品牌方和場地的尊重。現場，#DAMUR 營造出品牌一貫風格+長期向社會表達對熱情、自由的話。

 

在 #DAMUR 所建構的這座「濕式烏托邦」中，酷兒身份自由流動。而時尚，早已不再遵循規則 —— 它，解構了所有規則。

“這是柏林，唯一的規則就是漂亮地打破所有規則。“

———#DAMUR 創意總監兼執行長 黃世舜

時裝說

1920s 女生穿西裝，打破性別印象

1960s 迷你裙上街，解放穿衣教條

1980s 牛仔褲登台，瓦解階級規則

今天，台牌 #DAMUR 在柏林、在台灣，對社會發起自我認同、穿衣自由的呼聲。

 

Source : Marcus Hartelt

斷裂的大衛林區

David Lynch 傳世作品《雙峰 Twin Peaks》裡那些介於夢與現實邊界的場景 —— 紅色簾幕、無盡的黑白地毯、靜謐卻令人窒息的空氣感。Laura 的雙重性格讓我著迷：她既天真閃亮、又陰鬱破碎，彷彿將整個女性內在的衝突譜成一首哀歌。

幽微的大衛林區

《穆荷蘭大道 Mulholland Drive》中那座藍色劇院 —— 像一記重擊將設計師 Alison 拉入潛意識的漩渦，也讓 Alison 意識到：「美」不必清晰，它可以混濁、誘惑，甚至帶有幻滅的質地。

迷人的大衛林區

《驚狂 Lost Highway》裡，Alice 的模糊身分與金髮回眸，在深夜中如慾望與記憶的重疊體，永遠抓不住，卻也揮之不去。上述角色與敘事像幽靈般棲息在設計師 Alison 心底，也構築了 (She)nanigans 核心的陰影與光芒。

(She)nanigans 名字由來

“She” 是我們故事裡最深的起點。我們借用了 “shenanigans”（惡作劇／詭計）這個字的語感，再把 “She” 放進去，不只是呼應《Twin Peaks》中那句台詞的致敬，也象徵女性角色在混沌與秩序之間的力量轉換。那個括號像是一扇門，也像一層迷霧 。

(She)nanigans 推薦單品

開肘西裝外套

採用標準西裝領、三顆單排釦設計，輪廓俐落修身，呈現都會女性幹練氣場。袖身於肘部位置加入橫向開口細節，內外層布料結構堆疊，營造出仿若「雙層袖」的錯視效果，強化造型層次。中釦位置的紅色縫線作為視覺亮點，也是品牌在幽冥黑暗中透露洶湧內心澎湃渴望。

透膚長版罩衫

採用紗質面料打造整體服裝結構，視覺上呈現出若隱若現的肌膚輪廓，既性感亦理性，營造出多層次穿搭可能。兩側肩線不對稱，右肩加入細緻鈕扣作為開合結構，展現結構性與穿脫便利性。這款罩衫象徵一種「不遮掩的包覆」，是對女性多層身份的回應──脆弱、剛強、欲望與節制。

沈浸在 David Lynch 領域創作 快走火入魔

筆者認識品牌過程中，發現系列創作從電影中提煉出內心的渴望與衝突，開發過程中會不會投入過多情緒而差點走火入魔？設計師 Alison 坦言真的會（笑）。

She)nanigans 的創作歷程其實非常感性，每一季都像是一次對潛意識的剖腹，尤其在轉譯角色情緒或陰影時，很容易共感角色的執念與幻想。那些混亂與拉扯雖然激烈，但也讓我們在創作裡找到最純粹的力量。

(She)nanigans 推薦單品

合摺直筒西裝長裙

裙身後中設有箱型褶與深開衩，強化下身活動性與視覺層次。裙身筆直流暢，塑造出冷靜俐落的長直筒線條。褲頭內側附抽繩，兼具實用與造型靈活性，利於依腰身調整合度。材質挺闊不軟塌，裙身全內裡包覆，提升穿著穩定性與舒適度，避免透光與皺折困擾。鈕眼處以紅線縫製點綴，與內裡品牌織標「she is full of secrets」暗語呼應，低調展現品牌識別與精神。

側脇片寬褲

褲身右側以片狀面料層疊延伸，斜裁交錯覆蓋左腿，創造不對稱視覺重心與動態感，塑造猶如「裙褲合體」的立體輪廓。以側綁帶取代傳統正面釦件，營造出包裹式腰圍設計，不僅調整合身度，更強化造型。筆直大氣的闊腿剪裁平衡了上身層疊設計，使整體比例拉長。解構傳統西裝褲邏輯，透過布片錯位與綁帶，在硬挺布料與流動構造之間製造張力。

目前 (She)nanigans 在哪裡能買到

自去年參加台北好時尚後，品牌隨即獲得幾家通路邀請。目前 (She)nanigans 除了官網本身，已和潮流選物店 HYST 合作寄賣，台北與台中門市皆可試穿選購。未來若出現與我們節奏與氣質契合的場域，實體據點將會是下一章的重要開展。

 

(She)nanigans 官網

(She)nanigans Instagram

 

HYST 台北
台北市忠孝東路三段217巷4弄11號

 

HYST 台中
台中市三民路三段131巷6號

新一季 籌備中

新一季關鍵字是 Komorebi（木漏れ日），意指「穿過樹葉縫隙滑落的光影」，靈感來自電影《我的完美日常》中光影節奏與日常詩意的凝視。那光時而柔和、時而炙熱，如同情緒在身體中閃現，也像自我與世界之間浮現又隱沒的片刻關係。


(She)nanigans 嘗試以更巧妙與精緻的設計語彙呈現這些微妙情緒，性別的界線也將更加模糊，並同步升級面料與細節工藝，系列預計在初秋登場。

時裝說

創作方式每家品牌均有不同。(She)nanigans 天生和詭譎夢幻導演 David Lynch 綁定，在創作過程中投入如藝術奉獻般情懷沈浸在靜謐壓抑心境裡。自我撕裂再自我釋懷的用命品牌，每一件單品中流淌著脈動的生命。

neum，來自 Renounce Borderline 放棄界線

neum 是由台灣設計師 Ann Chen 在2024年成立的新銳服裝品牌。品牌名稱「neum」來自中世紀的早期天主教修士們用來讚頌聖歌的音樂符號「neume – 紐姆」，不同於五線譜上個音節所代表的各種書寫，紐姆以單一符號及其變形型態，自由流淌在樂譜各層間，體現品牌在性別上「放棄界線 Renounce Borderline」的核心理念。而訴求模糊性別的品牌也不少了，neum 單品確實有亮點。

View this post on Instagram

A post shared by neum (@_neumofficial_)

 

男女身著飾線領西裝外套。收斂傳統西裝領片，僅保留上領「縫」合於衣身之上，保留男性力量的餘韻。胸前圓弧線條的領巾與口袋蓋，共同奠定女性柔性力量的起始點。側視輪廓中，弧形切線延伸至身片，使外套多出幾何分割結構，增添版型層次與結構張力。

 

女身著結飾澎袖洋裝。交疊式的前襟線條，領口處延伸長形布帶，可自然垂落、披肩或打結，輔以布料光澤所形塑出的層次高級感；正面結飾布料不對稱延展，增添視覺層次與流動性。袖身採用蓬鬆輪廓與袖口束收設計，增加空氣感與動態張力。短版及臀的洋裝單品，應是中性直男也能駕馭的吧？

 

男身著高領寬鬆襯衫。可翻高領的視覺張力極強，黃綠色跳脫視覺較為搶眼，灰棕色則顯沈穩深邃。側襬開衩，行動上不會拘謹；寬版版型，落肩處理讓整體穿著感更加輕鬆不拘，呼應品牌對性別與服裝界線的模糊態度。左胸配置雙層口袋，採用平行疊線縫製細節，增添幾何層次感，細節現巧思。

View this post on Instagram

A post shared by neum (@_neumofficial_)

 

尖領抽皺夾克，大片尖領作為抓住焦點的視覺第一眼，整件夾克以短板廓形形式，在抓皺上分立出視覺立體與垂墜效果。

再看後背領片下方加入細緻壓褶與品牌字金屬釦，形塑出類斗篷式圓弧輪廓。澎袖袖身在袖口處微收，在整體偏向廓圓造形上，帶出尖領的衝突；當然，尖領也可作為互相打結的巧思。

View this post on Instagram

A post shared by neum (@_neumofficial_)

 

以柔和光影與極簡構圖，試圖陳述一種無聲優雅的氛圍。模特悠閒等待、口嚼口香糖，漫不經心吹起泡泡所營造的品牌日常。

協調米白色、一席及踝緞面平口開衩洋裝，雖然已賣完，但這支影片營造的氛圍讓筆者很愛。上身為平口設計，乾淨的劃出清晰的輪廓線。前中心垂直壓摺與開衩中線為流暢裙身增添律動與空間。頸部綁帶和洋裝相互呼應，單品背後的大蝴蝶結也為簡潔洋裝做點優雅巧思。

View this post on Instagram

A post shared by neum (@_neumofficial_)

 

午後光線映照下，牆面與柱子形成構圖邊界，強調彼此間的空間分隔與心理距離。女方神情冷靜、若有所思，男方似乎等待一份不太可能收到的回應；兩人站在同個空間，卻不再同步。

兩位身著尖領寬鬆襯衫，最大辨識特徵是「長尖角式領片」，領片可自然垂墜，寬大尖角領片延續上一件高領襯衫的視覺強大視覺張力，也可繫成影片中頸巾樣子。寬版與收編作為常穿襯衫的男性潛在典範，立體紋路面料暗喻女性柔美優雅象徵。

neum 品牌官網

neum Instagram

時裝說

時尚之所以受人追捧，除了布料優質和單品獨特外，視覺美學是宣傳漏斗第一順位。neum 成功營造品牌日常氛圍，距離和美感掌握一定平衡，在當前台灣時裝品牌中脫穎而出。

想知道設計師洪福伸認知的「永續議題」是什麼？如果只用永續才聊瘋狂再造，真的是永續嗎？以及洪福伸是怎樣認知自己該走這 12 年來服裝設計師道路、以及如何在品牌與個人帳號有上百的活躍互動。想認識完整訪談+專訪影片，都在《時裝說》訂閱集資專案的訂閱讀者專屬頁面裡。支持並訂閱我們，或希望我們能經營下去也歡迎，我們將陸續解鎖新服務，集結眾人之力為台灣時裝品牌而說。

 

前往 FUSIO FUSIO 工作室，那是位於新莊偏工業區的住宅，一樓工廠、二三四樓為住宅的自家廠房彷彿在品牌工作室身旁巷弄內，門前偶有卡車呼嘯而過，是筆者對 FUSIO FUSIO 這家在台灣時裝圈佔有一席之地的時裝品牌第一印象。設計師洪福伸親切出門迎接，讓筆者第一眼被吸引的，是家中領養的貓。我們從貓的話題，逐步帶入到訪談品牌的故事。

FUSIO FUSIO 品牌定位及理念

您如何定義 FUSIO FUSIO 想傳遞的價值與訊息？

「品牌名由兩個『FUSIO』組成」設計師洪福伸說道：「一個代表自己、另個代表另外的人。每一名客人都來自廠商、藝術家、客人等等，他們都會給創作靈感，提升我的跨域思維完成作品。」

 

 

有一件案例是從半訂製重新定義新的產品，蠻符合兩個「FUSIO」的意涵。有位身高190的客人想穿粉紅色襯衫，即使 FUSIO FUSIO 客群大多都和設計師本人一樣169公分上下，且品牌也不曾做過粉紅色單品，還是接手這件案子。這件案子結束後自己試穿一遍「卻發現意外的好看。最後我再把袖長調整成為常規商品。」

 

設計師洪福伸說自己蠻願意跟大家，包含藝術家、設計師討論的，可能同樣是創作者。擔心對方給太多創作或不尊重，但畢竟服裝討論畢竟是在語言上不確定的概念，洪福伸可以為大家整理出對方想要的設計脈絡。按洪福伸的話來說：「我可以很了解消費者、我也很了解消費需求這件事，在整理脈絡過程能找出對方想要的創作關鍵字。喜歡整個拉出來後再做出來提供給消費者。」

品牌名來自自己名字，希望被接受建議，這過程中，有什麼建議讓你最受用？

可能有些人在執行品牌、創作內容時，比較希望自己能掌控、主導全面，最終結果要符合心中預期。而世界之大，總會有些人在保留己見及開放心態的光譜中，天生站在後者這端的天秤。

 

FUSIO FUSIO 設計師洪福伸說道：「我收到超級多的建議，而我自己會喜歡詢問別人意見的設計師。有時候剛剛做好的衣服會放在 Instagram 發問，網友會願意提供反饋，大家的改正跟鼓勵反而讓自己有動力繼續做下去；另個角度來說，有這樣的互動，才會有下一次支持FUSIO FUSIO的機會。」可接受所有人提供的意見的洪福伸，收到無數次意外的發現，從不同人視角來看待自家產品，是品牌和客人長時間聯繫+改善自己的正向循環。

 

 

「我覺得自己不算是原創能力很強的設計師，創作靈感喜歡來自日常生活喜歡單品，在上面重新詮釋，設計細節、置換材質、重新打版。也喜歡跟人交流出來的靈感。從生活際遇調整成屬於品牌樣貌。」洪福伸補充道。

FUSIO FUSIO 在市場中，補上了哪方面的市場空缺？

2013年正值快時尚流行，在那時候，反快時尚的 FUSIO FUSIO 在這片浪潮中誕生萌芽。「我反而一直以來很注重每件產品的做工，所以10年後還可以穿。最近才剛幫一位客人換10年前褲子的鬆緊帶，褲子本體還是可以穿，只是客人身形跟10年前略有不同，不小心把鬆緊帶穿鬆了些。即使我知道一件衣服能穿十年對商業發展來說不是一件太好的事情。剛好最近大家開始注重永續，FUSIO FUSIO也開始受到注目。」設計師洪福伸謙虛地說著。

 

 

品牌特色也坐落在台灣紡織上。台灣有很多厲害的機能布料發展相當成熟，在機能、防水方面做的很厲害，卻發現很少人知道生活款式需要功能性的。設計師洪福伸意識到自己可以做出穿10年、每一季節、任何氣候都可以舒適穿著。加上 FUSIO FUSIO 可提供半訂製服務，特殊身形的人版型上需要調整，口袋配置、使用材質，在小眾市場的設計師品牌中的再小眾彌補這方面空缺。

 

另外，設計師洪福伸發現歐美常規品牌在身高170可穿的比例，款式太少了。「我就把品牌作為170上下身高的穿搭示範，這也是我的身高區間，照顧了這身高區間的消費者。」即使後來在時裝界認識朋友身高都很高， FUSIO FUSIO 也樂於為這群消費者陸續開發適合版型。

二、品牌過去故事和未來發展

12年來兩位重大貴人，其中一位身著 FUSIO FUSIO 辭世

十二年來對 FUSIO FUSIO 很重要的轉折點有兩個人

第一個是選品店 Mistymint。那時才剛從高雄開始的品牌，因定價策略關係導致產品都沒賣出，一度讓洪福伸懷疑自己是否適合當服裝設計師。「到台北時，我也是拖著我的作品沿路向選品店介紹我的衣服，但一直被拒絕。」洪福伸講述當年初出茅廬卻被拒絕的過往「直到 Mistymint 的人看過我的作品後，不僅很喜歡我的作品，還教我如何填寫進貨單，這給我很大肯定。包含我的大學畢展作品，有 80% 都在那裡賣完的。」洪福伸補充道：「雖然 Mistymint 因疫情後改從選點店轉為工作室，但我們仍有再保持聯絡。」

View this post on Instagram

A post shared by FUSIO FUSIO (@fusio_fusio)

隨後洪福伸講述第二位貴人的歷程，也令筆者感動的故事：「更重要的是 Daniel，疫情的時候，選品店、打工環境都沒生意，原本80%來自選品店的收入來源卻只剩一個月一千塊；那時候真的沒辦法活，銷售型態被迫改變。也就在那時候開始試著在陽台用搭棚拍攝然後發到社群分享，在這時候 Daniel 找上了我，聊天後認識到 Daniel 是台灣人，在墨爾本做髮型師，而且跟我有相同身形。第一次透過網路販售，也是我第一次寄到澳大利亞，Daniel 穿了之後很喜歡，周圍的人也很喜歡 FUSIO FUSIO 衣服；隨後 Daniel 很認真在澳大利亞陸續招集適合身形的人，無論男女都一起揪。一開始每一筆訂單一兩萬，甚至有到五六萬。我光是一個月來自 Daniel 訂單就可以生活了。」

 

 

當筆者想有了 Daniel 在海外強烈並實際帶來品牌收益的回饋會持續下去時，瞬時間峰迴路轉，設計師洪福伸講到這段時，稍微哽咽起來：「後來 Daniel 因為疫情感染 Covid-19 而且是重症，來不及穿完我的衣服就走了。我們卻從來沒見過面。過世的消息是 Daniel 的好友私訊給我才知道的，Daniel 最後遺言希望我能夠記住他，並且希望大家能推廣 FUSIO FUSIO，讓全世界可以看到 FUSIO FUSIO。」

 

這件事影響設計師洪福伸很大，在洪福伸看來，原本他所認知服裝設計師的服務僅是做好衣服就好，卻忽略自己的作品也需要被分享、被曝光；除了把做衣服做出來，衣服本身也需要被大家看見。Daneil 故去後，「被看見」是他很期待的事情， Daniel 希望大家穿上 FUSIO FUSIO，是好看的、是值得驕傲、是宣傳的。設計師洪福伸說：「這讓我下定決心，除了認真做衣服，也要認真曝光我的衣服。我一定要到墨爾本去看 Daniel 待過的地方，不只是墨爾本，也要讓全世界都可以有 FUSIO FUSIO 的蹤影。」筆者聽聞此處也和洪福伸當下情緒產生共鳴「因為這是 Daniel 的遺願，就連最後一刻也是穿著 FUSIO FUSIO 走的。我除了很感動外，也意識到做服裝不只是我自己的事，而是身邊朋友也很想看到我的成長。」

 

 

因設計師洪福伸以前蠻排斥賣衣服這件事，在 Daniel 故去後，設計師洪福伸就更認真在做穿搭這件事，開始意識到要曝光自己，也願意跟喜歡 FUSIO FUSIO 的人對話，成為今天 FUSIO FUSIO 的樣子。

經營 FUSIO FUSIO 的過程中，您提及自己長期以來為了品牌資金不斷接案與打工，從創立至今，品牌遇到困難階段是什麼時候？怎麼解決克服的？

一直以來都從事門市服務業兼職的洪福伸表示自己是幸運的。相較於其他設計師，FUSIO FUSIO 當時的品牌規模較小，並且寄售模式也沒有店面租金壓力；加上本人情緒正面，也還好在疫情期間，即使選品店僅剩 1,000 營收，但有確診保險五萬塊。

 

就 FUSIO FUISO 而言，最困難時候莫過於疫情期間，那時後所有販售通路生意受到嚴重影響，遂開始在 Instagram、pinkoi 販售。在以前，設計師洪福伸排斥和客人近距離接觸，即使有客人詢問產品，都會請客人親自前往 Mistymint 現場會有專業人士講解，並能試穿。疫情影響實體通路營收情況下，設計師洪福伸決定改變策略，除了上述經營 pinkoi 以外，也開放工作室現場和客人互動。

工作室設立在遠離市區地點，這段距離反而是好的

設計師洪福伸對於購買與距離有一套邏輯：「我的工作室位在新莊，這對一般客人來說距離真的超級遠，但我發現這是一個很棒消費心態，如果我是客人的話，只要我是真心想認識、購買，那不管距離多遠我都會想辦法找到。因為以客人角度來說，即使有段距離，客人會評估，這樣的地點是否值得他花這個時間、這筆錢投資這件產品。」設計師洪福伸接著說：「我也會尊重客人他們可以的時間，我會盡量配合客人選定的時間來。這樣的距離感，讓客人有意識想認識我們，我覺得是好的。」

 

在時間與資源有限的情況下，您如何維持創作熱情與品質？

FUSIO FUSIO 設計師洪福伸能在12年來走過風雨，這問題的答覆讓筆者心想：原來還可以這樣做呀。

「我是很少做損益表的人、在過去買布料、輔料等等衣服原料都需要成本的，我怕我看到那些成本會影響自己心情和思緒。面對升主管、購屋、結婚等人生階段性目標，像蝸牛一樣緩慢前進所創作出來的『蝸人』登場後，發現大家都曾經歷過自我懷疑而產生共鳴，『普世價值』要我們畢業後25歲、30歲、35歲等不同年齡『應該』要達到怎樣成就或目標，而我也已經35歲了。我慶幸那時自己選擇的『逃避』。」洪福伸接著說：「我也跟朋友討論，互相鼓勵讓自己沒有在既定的框架內。可能很多品牌起點比我高，且花時間在意「成本」這件事；但我想如果我在意這些事，就沒有今天的FUSIO FUSIO，我只專注於我當下的步調，今天是否比昨天更進步一點。」

在這12年間，品牌經歷哪些階段轉變？有無轉捩點值得分享？

FUSIO FUSIO 最大轉變過程來自替代役期間。在學生時代是很個人化的創作，打工、讀書、創作，超級沒時間思考品牌定位，只想著如何賺錢。而替代役這一年開始讓洪福伸思考 FUSIO FUSIO 是怎樣的品牌，那時會把學長弟的制服帶回去修改並發現修改制服這件事很有趣，即使是相同的制服，大家還是希望有穿出獨特的樣式。設計師洪福伸說：「我發現我更想要做制服的款式，自己做第一個系列叫『工具人』，那時候是貶義詞；但是我覺得是很棒的，這代表工具人是被需要的、有價值的、是鼓舞人的。」

 

 

創作過程的品牌調性也跟著設計師洪福伸住在哪裡而有所變化：「相較於高雄的光明感，在我搬駐新莊後，生活周遭很多工業區，開始用工作感融入創做中，也發現創作需要生活的觀察中，像口袋、條紋放入服裝創作中。也在制服製作當中意識到每個人的需求是多元的，也開始從個人化創作導向轉變成觀察市場的需求。」

最近 FUSIO FUSIO 同時參與臺北時裝週、東京時裝週、臺中國家歌劇院展覽等多項活動，面對如此緊湊節奏，打算把握這波曝光機會再讓品牌有什麼發展？

最近因紡拓會的關係，讓設計師洪福伸有幸前往東京、臺北時裝週並參展，這都是以前從未參加的展售會。也因為首次在臺北時裝週進駐 Show Room，遇到國外買家想要我的 LINE SHEET。因品牌目前成熟的商業模式在建構中，對買家感到抱歉，卻也意識到完整的品牌在 Show Room 應該要怎麼做。最近在準備合格布商、成衣廠商合作。也在今年成立公司和網站，提供買家和廠商可看到更完整 FUSIO FUSIO 的故事；期許今年九、十月臺北時裝週時候可期許接軌更多國際買家。

三、創作方式與設計挑戰

上次 Show Room 訪談時您說「您非時尚品牌而是日常單品的再造」，您所定義的時尚品牌和 FUSIO FUSIO 差異是什麼？

相較於時尚品牌日常了解現在市場在流行什麼，設計師洪福伸大多主要是在周遭生活環境的人需要怎樣的衣服；像現在這個月份，該有怎樣的布料可以穿得更舒適。「我更多是從生活的時域觀察來改動設計。可能自己作品是不是流行款，主要因爲我的創作來自於生活，它的材質、結構怎樣更改才是我創作出發點。」

 

 

設計師洪福伸繼續補充：「時裝秀是商業模式操作，有些品牌因定價關係需要而有距離感。自己在做品牌時候大多用合理價格，真的淨利很少。同時我也會在布料挑選上可以挑選更符合生活中布料，價格上也可為客人挑選大家負擔得起的價格，回饋給我的客人。」

很多台灣消費者在國外被問到「你穿的是哪個品牌？」時自豪地提到 FUSIO FUSIO，是因為產品獨特廓形還是什麼獨家設計？

設計師洪福伸談到這裡有感道：「我對於『設計』其實比較沒自信，自己會懷疑我設計的衣服是否太簡單，一直覺得自己會不會做太少。但客人在生活中、在國外被稱讚跟詢問，是對我超級大的鼓勵，而且幾乎每個月都會被問到。」

 

在訪談過程中，筆者多次聽到設計師洪福伸陳述自己相較於其他設計師，較不具備設計天賦。身爲服裝設計師的如此自我認知，也是另一個角度對自我的鞭策吧；同時 FUSIO FUSIO 的自信是來自於客人、廠商的鼓勵，這或許也是「不自滿」的天然保護屏障。即使自謙沒有自信的洪福伸，在談及服裝設計細節概念仍是侃侃而談，加上洪福伸提到 FUSIO FUSIO 客人回購率高而側面證實經營品牌12年這件事，是在時裝圈一個溫暖的存在。你會看上去品牌就是看起來酷酷的，但其實互動下來是和藹可親、平易近人的，會值得與之交往做好朋友的感覺。

您曾自述畫設計圖是最弱項目，但成衣效果往往超出設計圖本身，這樣對團隊合作有什麼挑戰？

有兩點是目前品牌的現實挑戰

第一點是面對兩位車縫師夥伴，品牌也在調整怎樣溝通中，畢竟 FUSIO FUSIO 作為服裝品牌對服裝要有所堅持。我們願意教他們怎樣車的技巧，試著挑戰，共同完成作品。「畢竟 FUSIO FUSIO 設計上已稍嫌薄弱，在做工部分可以保持溝通跟堅持。」

 

 

「第二點是目前生產遇到很大困境。」設計師洪福伸說：「主要原因也是產量也不夠。最近有積極尋找通路，像是日本、台灣等平台，希望可以增加線上的基礎銷售量。台灣服飾品牌ASTER、PCES也有一起。」台灣幾個品牌共同加入平台，讓能量得以匯聚創造人流和網路話題，不失為一項好辦法。

想知道設計師洪福伸認知的「永續議題」是什麼？如果只用永續才聊瘋狂再造，真的是永續嗎？以及洪福伸是怎樣認知自己該走這 12 年來服裝設計師道路、以及如何在品牌與個人帳號有上百的活躍互動。想認識完整訪談+專訪影片，都在《時裝說》訂閱集資專案的訂閱讀者專屬頁面裡。支持並訂閱我們，或希望我們能經營下去也歡迎，我們將陸續解鎖新服務，集結眾人之力為台灣時裝品牌而說。

 

FUSIO FUSIO Instagram

FUSIO FUSIO Facebook

FUSIO FUSIO Threads

1. 兩種審美的角力：風格 vs. 功能

1-1 黃仁勳的皮衣

這不只是一件衣服，更是一種身份宣示。皮革的厚實與俐落剪裁，傳遞出創業家的硬派形象，也是對自我風格的堅持。他選擇穿皮衣，不是因為科技不夠先進，而是因為這件外套讓他「看起來就是他自己」。

 

1-2 徐旭東的科技夾克

這是一件功能性強、代表永續與科技技術的外套。它能調節溫度、防風防潑水，採用台灣最頂尖的紡織科技。徐董事長認為：「不論美不美（適不適合你），實用與創新才是未來的答案。」

 

 

兩種審美碰撞的不只是外表，而是兩種對「穿著價值」的思考：前者從個人風格與文化敘事出發，後者從技術規格與產業驅動出發。偏偏台灣產業長年選擇後者，誤以為擁有一塊「最新布料」就能引領全球潮流，卻忘了——時尚從來不是一場實驗室競賽，而是一場感性的對話。

2. 臺灣紡織產業的窘境：創新不是變魔術

臺灣的紡織業以技術導向著稱，全球許多機能布料的專利與產能都來自這座島嶼。然而，這樣的技術優勢並未自然轉化為設計競爭力或市場吸引力。原因在於，創新往往被誤解為一種「新奇性」，而非「可用性」與「文化連結」。

 

許多紗線與布料研發專案，雖然在測試報告中表現亮眼，卻難以轉化為市場需求明確、設計端願意採用的實用材料。舉例來說，一款擁有紅外線反射功能與藍牙感測的布料，若無法提供穿著舒適性、無法被加工成型、成本過高或無明確應用場景，即便技術再前衛，也只能淪為展覽樣品。

 

 

 

作為設計師，我們追求的不是布料本身多「聰明」，而是它能否被理解、被穿上、被認同。創新的關鍵，不是功能表多麼華麗，而是這些功能是否解決真實的穿衣問題。好的材料，應該讓人一穿上去就知道：「這就是我需要的。」

 

遺憾的是，目前的研發節奏常以「兩三年為週期」，未能留給產品轉化與使用端足夠時間磨合，導致大量技術停留在概念階段或倉儲空間，而非進入生活現場。此外，研發流程往往缺乏與設計師、品牌方的早期對話，布料從一開始就未能考量造型需求、縫製限制、時尚語彙等要素，使得技術成果難以走向時尚應用鏈的後端。真正有影響力的材料創新，應該像建築裡的好結構：不是因為它「炫」，而是它默默支撐起整體敘事、風格與使用者經驗。技術應該是設計語言的一部分，而非獨立存在的主體。

 

總結而言，臺灣紡織產業面臨的問題，不是「沒有技術」，而是「缺乏轉化技術為風格與市場語言的能力」。當創新只停留在實驗室，而無法延伸至穿著者的情感經驗與文化定位，那麼它終究只是高科技原料，而非未來生活的關鍵部件。

 

3. 從臺北時裝週看出台灣市場與政府的盲點

自2019年啟動品牌轉型以來，臺北時裝週致力於打造「亞洲永續時尚高地」的形象，並嘗試整合產業鏈、文化政策與設計人才。但從實際運作觀察，理想與現實之間存在明顯落差。雖然活動場次密集、橫跨多個城市場域，但整體缺乏主軸敘事與觀眾引導，導致觀展體驗零碎、不易聚焦。

 

3-1 評審邏輯失焦、制度透明度待加強

臺北時裝週目前的評選傾向量化與制度化，包含：是否使用永續材料、文化符號明確度、市場規模潛力等指標。然而，設計本質上的敘事性、風格語彙與觀念實驗，卻未被有效納入評估框架。「作品的報告與簡報品質，似乎比實體衣服更重要。」這種過度格式化的評分邏輯，逐漸讓創意與風格讓位於行政流程。

 

更令人憂心的是，近年曾出現評選作品涉嫌抄襲國際品牌之爭議，雖引起業界批評，卻未見主辦方進行具體制度檢討與後續資訊公開。這樣的事件動搖評審機制的公信力，也打擊年輕品牌參與的意願。

 

3-2 世代資源錯配，創作者找不到舞台

目前的資源分配仍明顯傾向大型紡織企業與供應鏈主體。這些組織擁有完整的產學平台與政治能見度，因此在補助申請與曝光上相對容易。反觀具備文化觀點與創作潛力的新銳設計師，若缺乏量產規模或產值報表，便難以獲得進入主舞台的機會。「你的企劃沒有商業化理論及供應鏈（錢）規模支撐，就等於沒有資格申請補助。」

 

結果是，資金與行銷平台多集中於熟面孔、大品牌與標案熟手手中，小品牌則被迫轉向市集、快閃展演、自籌資源苦撐。這不只扼殺多元，也加劇風格發展的斷層。

 

3-3 創新過度技術導向，敘事力持續下滑

近年臺北時裝週明顯導入更多「在地文化」、「科技」與「功能性」素材，包含環保纖維、智慧感測與永續標章等元素。但這些材料若缺乏對應的設計敘事與穿著場景，就淪為展示規格的資訊表。常見一場秀中，十餘件服裝快速上台，觀眾記不住任何角色、也無情緒連結，只留下「這件布很亮很花、造型剪裁很誇張」的單一印象。

 

時裝應該是穿在身上的故事，而非科技樣品的延伸台。當時裝週只強調機能與規格，而忽略造型、風格與文化的整合力時，這場活動便無法轉化為真正的文化平台。臺北時裝週若真要走向國際，不該只比技術門檻、永續材質數量，而應重回初衷——讓世界透過服裝風格，看見台灣。時尚（髦）從來不是比誰技術好，而是誰能用一件衣服說出一個靈魂故事。

4. 產業迷思──當「技術」凌駕「故事」

台灣的時尚與紡織產業長年陷入一種結構性的誤區：誤以為只要技術夠新、功能夠強，就等於成功的設計。然而，真正能打動人心的設計，從來不是實驗室裡的發明，而是來自「人」與「故事」的共鳴。

 

4-1 素材至上，故事缺席

業界總是樂於誇讚自家的布料機能性多強、吸濕排汗有多優秀，彷彿只要數據漂亮，就是好設計。但他們往往忘了問：這塊布，有沒有可能成為一座城市的縮影？能不能承載一段土地的記憶？讓一個男孩成功地追上他心儀的女孩？衣服不只是科技的展示架，更該是人與文化的延伸線。如果設計只剩下性能而沒有靈魂，那它終究只是高規格的「裝備」，不是「穿著」。

4-2 教育脈絡斷裂

台灣的大學紡織科系教你怎麼測試布料的撕裂強度、怎麼寫物性規格書，卻不教你：這塊布在誰的身上會發光？它該進入哪種生活情境？時裝設計科講授服裝史與比例規則，但卻未必能引導學生如何把一塊客家花布轉譯為當代態度──不再只是文化符號的貼紙，而是一種穿上街頭的情緒力量。

 

4-3 市場試驗不足

許多人夢想著讓作品站上巴黎伸展台，走進米蘭 showroom，但卻從沒讓它先走一遭西門町的街頭。產品還沒經過任何市場的磨合與實穿檢驗，就被送往國際舞台，結果自然是叫好不叫座。也許更務實的做法，是從一場夜市邊的快閃試穿開始，感受路人真實的眼神、語言與選擇。當你能在台灣的街道打動人心，再談出海，才不至於漂浮。

 

設計從來不是「做出一件漂亮產品」這麼簡單，它是讓技術、文化、場景與人產生連結的過程。如果我們始終把「技術」當成終點，而不是讓它服務於情感與敘事，那再多的文化創新也只會成為產線上的孤島（標案自嗨長官好），不會成為時代的語言。

5. 科技與傳統的拔河：當 AI 無法理解人情味

在設計圈，越來越多人嘗試將 AI 導入創作流程，期待它能「理解台灣（人）味」、甚至在未來取代人類的直覺與審美。但這樣的期待，實在太過天真。AI 可以在幾秒內生成上百組配色與視覺草圖，但它永遠無法回答：為什麼這個配色能讓在烈日下跳舞的夜市攤販停下腳步？又或者，能否觸動一位午夜工廠女工多年未說出口的情緒？

 

 

當遠東集團還沉迷於「物性指標」、性能數據與可編程纖維，我們其實更該問的是：AI 能否量化「美感」？能否建構「情感記憶模型」？能否從成千上萬的布料中挑出最適合說故事的那一塊？目前沒有技術能回答，因為那不是資料訓練能達成的，而是人類生活經驗的產物。真正的美感，是從文化與生命交會中長出來的，它需要泥濘與混亂，需要記憶與錯誤。

 

我最近看到文化內容策進院的一個合作提案，初衷誠懇，方向正確，但執行方式與條件卻讓人遺憾——動機是解決產業痛點與創造文化經濟，實際卻淪為一場「理論第一名、驗證最後一名」的花錢展示。殺雞用牛刀，搭錯交通工具，熱血企劃最終流於 PPT 美學，設計現場一點也沒被照顧。

 

科技與傳統從來不是二選一的難題，而是一場關於「對話」與「調和」的思維挑戰。我們在談創新，但真正的挑戰從來不是「我們擁有什麼工具」，而是「我們是否知道該問什麼問題」。只有當問題對了、場域對了、節奏對了，技術才可能真正成為設計的助力，而不是另一次資源錯置。而這，正是台灣設計產業現在最急需重構的邏輯與方向。

6. 設計人的隱形戰場：靈感，不只是技巧的副產品

在大多數人眼中，設計似乎只是會用幾套繪圖軟體、能排版、能配色，就能產出的「技能型職業」。平面設計是把圖層疊一疊、字型選一選；服裝設計是畫草圖、剪紙樣、秀給人看。他們看見的，是螢幕上的成品，卻看不見背後的深層結構與思維戰場。

 

真正養成一位設計師的，從來不是哪門課程、哪張證書，而是活生生的人生經驗。靈感的根本，是來自一個人對城市的敏銳觀察、對社會的感受力、對文化的內化與轉譯能力。設計師需要跨文化的視角，也需要走過矛盾與混亂，才能從中長出有機的創作語言。而市場對這一切的理解，卻仍停留在極度表面。更糟的是，它低估了設計背後的「系統性與複雜度」，讓整個產業長年陷入速成與空想的循環。

 

 

設計的三大隱性戰場：

6-1 企劃規劃是戰略書，不是裝飾用簡報

一份真正具說服力的設計企劃書，往往超過數十頁，不只是 moodboard 而已。它涵蓋風格定位、TA 輪廓、訊息傳遞策略與視覺敘事邏輯，必須既有美感，也有商業（工業）推進力。

 

6-2 視覺呈現是協作工程，不是單人創作

從初期草圖、mockup、樣衣製作、實體打樣，到攝影、素材轉化與展示，每一步都牽涉多方協作與反覆調整。真正的設計從不可能一次到位，過程就是在「實驗中管理風險」。

 

6-3 時間成本是真實門檻，不是浪漫藉口

一個服裝系列從靈感發想到商品落地，少說三個月，還不含試產、測試與行銷預熱。如果品牌願意為此投入，就能培養出屬於自己的敘事節奏；反之，一味催促「快速上架」的結果，往往是風格蒸發、理念崩塌。

 

正是因為這些隱形環節極度仰賴設計師的經驗密度與邏輯厚度，台灣時裝產業在青黃不接之際，才特別容易陷入「有創意，卻沒辦法落地」的惡性循環。當創意被簡化為「畫圖工具」的運用，而非來自真實世界的提煉與系統整合，那些好點子終將變成被冷凍的幻覺──無人接手、無人理解、無人落實。因為設計從來不是只有操作能力的展現，而是價值、經驗、轉化與時間的總和。

7. 美學教育與設計產業的無聲危機

在台灣，「美學教育」長期被邊緣化，常被當作課表上的點綴──畫畫、音樂、戲劇，被視為「有時間再上就好」的選修，永遠比不上科學、工程、管理這些能創造產值的「硬學科」。但事實是，沒有深厚的美學底蘊，設計人就像失去航向的船長——擁有技術，卻不知目的地。在產業結構急遽轉變、AI 正在重塑創意工作的此刻，台灣設計教育卻依然卡在二十年前的思維框架，這場無聲的危機，正在慢慢拖垮我們的創新力與競爭力。

7-1 教室與市場嚴重脫節

許多設計系、美術系仍以素描、色彩學作為訓練核心，忽略了商業世界的語境轉變。學生花四年練習畫得「像」，卻未曾思考如何讓作品「動人」。等到畢業進入第一份工作，才發現手上技能難以對應市場的高強度節奏與轉換需求，紙上談兵無法應付現實專案。

 

7-2 缺乏跨域整合與協作訓練

一個完整的時尚與設計生態，從來不是單一創作者能完成的，它需要：品牌策略師、市場分析師、PR、公關、文案、攝影、造型、甚至程式開發者。但在台灣教育體系裡，這些角色彼此隔絕。每個人都在自己的小專業裡埋頭苦幹，卻沒有人被教導如何協作，如何理解別人的語言，如何讓自己在團隊中成為加分的連結點。

 

7-3 資源錯配，教育變成展示場

各大設計系所年年斥資添購高階硬體：3D掃描儀、雷射切割機、AR頭戴裝置……但現場師資缺乏轉譯與應用能力，學生也只能自行摸索軟體操作。設備最後變成「開學參觀用展示品」，而非真正進入學生作品的養分。

 

7-4 美感訓練只停留在表面

當課程仍然停留在「怎麼畫一條線、怎麼配一組色」的層次，而忽略「為何這樣畫？」「這個配色背後對誰說話？」「它承載哪個文化的情緒與脈絡？」缺乏批判與思辨的訓練，美感就淪為裝飾性的工具，而不是策略性的力量。

 

7-5 解方不是更多設備，而是重構思維

我們不缺工具、不缺技術，缺的是能把「美感」與「世界」連結起來的思辨框架。唯有從教育本體出發，砍掉多餘的設備預算，把資源用在建立「跨域實作」與「批判式思考」的訓練上，讓學生在真實的商業脈絡中思考、討論與創作，未來才有可能出現能夠落地、夠深度、又有風格的創新設計。設計不能只教你怎麼動手，也要教你為誰、為何、為什麼而創作。這才是教育真正該回答的問題。

8. 財富與審美話語權的悖論

「誰出錢誰定義風格」，正在消音真正的美學創意
在理想狀態下，時尚應該是多元與自我的展現。但在現實裡，當資源與財力被視為衡量設計價值的唯一標準，真正來自生活現場、文化邊緣與個人經驗的美學聲音，反而被慢慢消音。

威武的長官、會教的野授、富裕的董事長、集團贊助商，往往用一句「我出錢（權），你聽我說」簡單粗暴地左右了整個產業的審美走向。他們可能沒參加過一次市集、沒看過 Z 世代的街頭穿搭，卻憑一己好惡定義了什麼叫做「有質感」、「夠設計」、「能出國」。

 

8-1 風格定義的集中化

台灣時尚場域中，風格越來越集中在少數資金掌控者手中。他們自詡為美學仲裁者，卻往往以個人（熟）品味作為唯一標準，壓縮了市場的想像力，讓許多有潛力的實驗性風格根本無法被看見，更別說被接受或資助。

 

8-2 話語權的失衡

當政府機關、制度或贊助商掌控了評審席、獎助名單與曝光平台，設計師的創意常常淪為「對方 QC 清單」下的微調技術。他們不再被問：「你想說什麼？」而是：「這個 logo 能不能放得大一點？」

 

8-3 審美自主的消失

消費者最終也只能在政府與企業制定的美學樣板中選擇──買單、模仿、沉默。當每一季都在被教育「這才是對的穿法」、「這才是高級的設計」，大眾對於自我風格的探索空間便越來越小，最終變成為了「符合別人期待」而穿衣的行銷模型。

 

這樣的「資本決定美感」邏輯，正在一點一滴侵蝕台灣時尚（藝術與設計）產業的多元性與創造力。它讓底層的創意無處伸展，也讓真正想透過穿著表達立場、身份與信仰的設計者，失去了發聲的空間。當美的定義只由金字塔頂端決定，我們失去的不只是創意自由，而是整個社會對「美好生活的想像力」。

9. 風格的缺席，是臺灣設計最大的原罪

台灣從不缺技術、不缺資源、不缺專利，甚至不缺各種獎助與產學合作。我們缺的是一種更根本的決心——願意為「風格」冒險的勇氣。

 

 

長年以來，從教育體制到產業研發，主導邏輯始終傾向「功能至上、專利掛帥」：布料要能吸濕排汗、防潑水、抗 UV、調節濕度……彷彿只要性能夠強，設計就能自我成立。但從來沒有人真正去問：這樣的衣服，誰會想穿？它為什麼能打動人心？

 

從來沒有一塊高科技布料，能像一件黑色皮衣那樣，直接嵌入一個人的個性、態度與人生階段。也少有哪家大廠真正去思考過：什麼樣的剪裁與輪廓，能夠貼近東亞濕熱氣候的身體感？什麼樣的造型語言，可以成為日常生活的文化象徵，而不是週年慶折扣架上的機能孤島？

 

我們總以為問題出在「材質不夠新」、「功能不夠強」，但其實問題是——
我們還不懂，怎麼用這些材質說一個好故事。風格從來不是在報告裡長出來的。它來自選擇、來自立場、來自生活的情緒與文化的共鳴。

 

 

真正強的品牌，不是靠技術說服人，而是靠風格讓人停下腳步、回頭看、然後說一句：「我懂。」但如果我們繼續迴避風格，只談技術，只談補助，只談規格與性能，那麼再多的創新，也不過只是下一個年度報告裡的數據，而不是下一段世代故事的開端。

10. 品牌不是拿來比機能的，是用來說：「我相信什麼」

在台灣，談設計的時候，大家最常問的不是：「它有風格嗎？有故事嗎？」而是：「這件多少？CP 值高不高？功能好不好？耐穿嗎？」

 

設計被當成超市貨架上的選項──比的是價格，不是態度；看的是機能，不是靈魂；追的是便宜，不是審美。 但一件真正打動人的作品，從來不是因為它便宜，而是因為它幫一個人說出了他的選擇與立場。

 

 

品牌不是來討好所有人的，而是來表態的。它的存在，是在告訴你：「我相信這樣生活是對的，值得被看見，也值得存在。」當你穿上一件衣服，不只是穿防風、防水、防曬的材料，你穿上的是一個觀點，一種信仰，一個對生活方式的回應。可我們的市場習慣反其道而行——要品牌壓低價格、配合補助、滿足報告上每一項 KPI，最後做出來的不是風格，是一堆規格。

 

當然，技術本身有價值。但你看過哪一張規格書，能像一件好剪裁的外套那樣，讓你在夜裡多看自己一眼？你記得哪項數據勝過一個令人難忘的造型輪廓？風格不是奢侈，是一種人與世界的默契。而品牌的責任，就是把這份默契說清楚，立得直白。

11. 最後，當我們富有到只剩下錢的時候，誰還敢對你說真話？

當我們在「皮衣教條」與「科技迷思」之間來回游移，才驚覺： 一件夾克的價值，不只是防風保暖，也不只是來自專利的數據堆疊。 它真正承載的，是穿著者的靈魂、脈絡與故事。

 

唯有當台灣的紡織實力，真正與那缺席已久的時裝敘事相遇， 我們才能迎來一個既有溫度、也有深度的設計時代—— 不只是材質在飛，而是文化與想像力一起起飛。

 

但當我們富有到只剩下錢的時候， 會不會，連一句真話，也沒人敢說出口了？

本稿內容由作者本人初步擬定核心觀點、內容語句與段落架構，經 ChatGPT-4o 系統協助進行語言調整與敘事優化後，最終由作者人工審閱與校正，整體撰寫作業約耗時兩小時完成。

 

Damur Huang

Berlin

26/05/25

DYCTEAM｜PANEX® 鳳梨皮革西裝外套

你喜歡吃鳳梨嗎？鳳梨果肉酸甜口感深受筆者喜愛，外銷也蠻強的，特別是近年飲料店也加進鳳梨這個選項而帶動相關農產機會。

而在生產鏈碳足跡中，我們每吃一公斤的鳳梨果實，就有三公斤鳳梨葉會被丟棄；每年更產生超過 80 萬噸的鳳梨葉廢棄物多以焚燒處理，焚燒所產生的碳排和空汙在以前暫時無解。

 

而 PANEX® 是由台灣團隊研發的創新技術，將這些葉片透過純物理製程轉化為天然纖維與植物皮革，全程不含任何動物成分、有毒溶劑或其他有害化學物質，實現真正無毒無污染的永續革新，並同時獲得善待動物組織 PETA 與美國農業部 USDA 的雙重認證。

 

DYCTEAM 本季推出台灣時尚界首見的「鳳梨皮革西裝外套」，所使用的鳳梨皮革原料取自屏東九如鄉主要產區的廢棄鳳梨葉。製作過程繁複，從選材、處理到高端剪裁皆採用精品標準，卻維持親民價格（不到$7,000）。小羊皮質感，整件西裝非常輕盈，內裹一層絨布讓實穿體感非常好。

指標	鳳梨葉	亞麻/棉花
水資源消耗	減少97%	大量耗水
碳排量（每噸）	減碳2.42噸CO2	高碳排
碳足跡	0.784kg CO2e/kg	棉花4倍、亞麻10倍
資源利用	農業廢料再利用	須額外種植

DYCTEAM｜BioBlack TX 生物碳黑Tee

傳統碳黑主要來自石油裂解副產物，其製程不僅碳排放高，每生產 1 噸即釋放約 3.3 噸 CO₂，且含有致癌物質多環芳香烴（PAHs），同時傳統碳黑多以粉末形式存在，容易在生產過程中產生粉塵，對工人健康造成威脅。

上衣印花來自 BioBlack TX 生物碳，天然帶有漸進附著在衣服上的印花特性，將原本危險且帶致癌元素給安全、穩定、不粉塵化。

 

BioBlack TX 是由美國新創公司 Nature Coatings 開發的全球首款非石化來源碳黑墨料，原料來自家具、紙張與地板產業的 FSC 認證回收木材廢料。其製程完全不需燃燒，無毒無害，唯一副產物為可循環使用的蒸氣，實現了碳負排放的特性。

 

繼Levi’s®、Gucci、Balenciaga、YSL後，台牌第一家使用 BioBlack TX 的 DYCTEAM 以 CC 系列中最受歡迎廓形短Tee 作為版型，推出「像素漸層短TEE」顯示誠意。幾何像素排出一個大寫 D，象徵品牌定義（Define）自我精神；印花採用來自回收木材的 BioBlack TX 生物碳黑，低毒低碳，時代沿革中新材料商品化的落實。

項目	BioBlack TX	傳統碳黑
來源	回收木材廢料（ FSC 認證）	石油裂解副產物
安全性	完全不含 PHAs 吳致癌物	可能含 PHAs 與重金屬
碳足跡	負碳排放（通過第三方單位認證 LCA ）	高碳排放（3.3噸CO2/噸）

 

在哪裡可試穿？

這次新品可逕直前往 DYCTEAM select 全台直營門市，或品牌官網購買哦。

DYCTEAM® SELECT LAB – 台北信義A13店

 台北市信義區松仁路58號6樓

DYCTEAM® SELECT SHOP – 台北敦南店

台北市敦化南路一段161巷32號1樓

DYCTEAM® SELECT LAB – 台中LALA PORT店

台中市東區進德路600號2樓

 

時裝說

對方的行為說明他是怎樣的人；品牌也一樣，對外訴求是什麼可以知道是什麼精神的品牌。DYCTEAM 在保留品牌風格同時，開放心態嘗試使用世界意義新材料，是有良心的帥。

台灣服裝品牌 B18 品牌概念

LOGO 設計靈感來自電梯識別標誌，主體由三個直立、模糊且難以定義的人形組成。這三個形象對應品牌名稱「B18」的核心意象：

B（Bones）— 骨骼

人類肢體之內，骨骼支撐每一次伸展與收束，脊柱定義平衡、關節安排旋轉。骨骼象徵支撐與不滅的本質。我們人體由骨骼支撐，沒有骨骼就沒有把衣服穿上的可能。

1（Oneness）— 靈魂

我們人死後，靈魂去哪裡？在天國，而天國又在哪裡？既然時間和空間都是我們先天對這世界的認知，那超脫這世界之外的「世界」又會是什麼？就品牌而言，這意味著人類靈魂與世界的合一，人的存在並非孤立，而是與萬物共生。

8（Flesh）— 肉身

有了骨骼、有了靈魂，還要有符合我們審美、為服裝設計、版型相得益彰的皮膚、脂肪與肌肉組織；數字「8」形似人體，象徵肉體的載體與現世的存在。

 

 

品牌名稱「B18」不僅是 Basement 18（地下18層） 的縮寫，更是對真實人性的深層探索。 電梯如同人生的輪迴，你永遠無法預知下一層樓會遇見誰。數字 18 既隱喻民間信仰中的十八層地獄，在 B18 定義中也與觀世音菩薩的象徵數字相呼應。相傳地獄盡頭，有地藏王菩薩的慈悲等待，「眾生度盡、方證菩提；地獄不空、誓不成佛」，這表現出品牌雙重意象：黑暗與救贖、墜落及重生。

域拾捌 初代機械基本款

域拾捌初代基本款短袖T恤使用厚磅的布料，硬挺又不失透氣棉料，機能服設計線條讓你可以在夏天也可以又潮又舒服。稍微仔細辨別一下可以看出機能Tee上，外露的縫份勾勒出人體線條，與下方寫著英文強調品牌「打破主流」、「未知」與「覺醒」的概念呼應。

域拾捌 地獄｜天使長袖衛衣

縫線刻意外翻、縫份外露呈現「人體基本線條」，這種非傳統手法強調品牌對「真實人性」、「未知世界」、「打破主流」的精神主張。肩膀與胸前曲線設計採不對稱、弧形拚接，製造視覺張力與身體結構的重組感。B18 三條形體 logo 以壓紋或刺繡形式呈現，同色系處理降低張揚感，但仍具有辨識度。

黑款 B18 Hell Raiser long sleeve shirt 更貼近地下文化的叛逆宣言。

灰款 B18 Curse of Angle Tears High Neck Shirt 則多了一層未來感與都市灰階的科技冷調。

紅款 B18 （CNY Version）菩薩、地獄總是要過年，亞洲黃種限定脫穎而出+大喜氣派款。

域拾捌 地下18層電梯系列

B18以電梯地下18層為名，也出了電梯系列。在封閉的冷冽金屬外殼下，隨著樓面逐層往下，樓層數字伴隨氣壓和血壓反比級數一路狂奔。我們永遠不知道再下一層的門打開會遇到什麼，那種未知、莫名、緊張和興奮，愛、恨、性、鬼魂、神明在我們腦海如跑馬燈一一浮現。關於電梯的都市傳說有很多種，我們曾在同一則故事裡相遇嗎？

域拾捌 觀音系列

台灣除了寶島風景的美以外，突出的美還有眾生信仰光明的閃爍；觀音是B18中很大的角色靈感之一，也是很多人心中的光明。筆者家中不乏有觀世音慈眉善目Tee，而B18 以當代手法，版型切割、三體人會晤、南無觀您屁事、嘟嘴觀音；其中筆者印象深刻的是第一張觀音無袖款001，頭上光冕使人得以祥和，三位一體讓人欲加膜拜，在潮流中倍感光輝。

 

B18 Instagram

B18 Threads

時裝說：「美國小說家 Scott Fitzgerald 曾說『檢驗一流智力的標準，就是看你能不能在頭腦中，同時存在兩種相反的想法，還維持正常行事的能力。』將18層地獄、地藏王菩薩等傳統觀念用當代語言描述，在時裝創作的市場中佔有獨特角色定位。持續累積相信有屬於該品牌愛好的圈子。」