1. 兩種審美的角力：風格 vs. 功能

1-1 黃仁勳的皮衣

這不只是一件衣服，更是一種身份宣示。皮革的厚實與俐落剪裁，傳遞出創業家的硬派形象，也是對自我風格的堅持。他選擇穿皮衣，不是因為科技不夠先進，而是因為這件外套讓他「看起來就是他自己」。

 

1-2 徐旭東的科技夾克

這是一件功能性強、代表永續與科技技術的外套。它能調節溫度、防風防潑水，採用台灣最頂尖的紡織科技。徐董事長認為：「不論美不美（適不適合你），實用與創新才是未來的答案。」

 

 

兩種審美碰撞的不只是外表，而是兩種對「穿著價值」的思考：前者從個人風格與文化敘事出發，後者從技術規格與產業驅動出發。偏偏台灣產業長年選擇後者，誤以為擁有一塊「最新布料」就能引領全球潮流，卻忘了——時尚從來不是一場實驗室競賽，而是一場感性的對話。

2. 臺灣紡織產業的窘境：創新不是變魔術

臺灣的紡織業以技術導向著稱，全球許多機能布料的專利與產能都來自這座島嶼。然而，這樣的技術優勢並未自然轉化為設計競爭力或市場吸引力。原因在於，創新往往被誤解為一種「新奇性」，而非「可用性」與「文化連結」。

 

許多紗線與布料研發專案，雖然在測試報告中表現亮眼，卻難以轉化為市場需求明確、設計端願意採用的實用材料。舉例來說，一款擁有紅外線反射功能與藍牙感測的布料，若無法提供穿著舒適性、無法被加工成型、成本過高或無明確應用場景，即便技術再前衛，也只能淪為展覽樣品。

 

 

 

作為設計師，我們追求的不是布料本身多「聰明」，而是它能否被理解、被穿上、被認同。創新的關鍵，不是功能表多麼華麗，而是這些功能是否解決真實的穿衣問題。好的材料，應該讓人一穿上去就知道：「這就是我需要的。」

 

遺憾的是，目前的研發節奏常以「兩三年為週期」，未能留給產品轉化與使用端足夠時間磨合，導致大量技術停留在概念階段或倉儲空間，而非進入生活現場。此外，研發流程往往缺乏與設計師、品牌方的早期對話，布料從一開始就未能考量造型需求、縫製限制、時尚語彙等要素，使得技術成果難以走向時尚應用鏈的後端。真正有影響力的材料創新，應該像建築裡的好結構：不是因為它「炫」，而是它默默支撐起整體敘事、風格與使用者經驗。技術應該是設計語言的一部分，而非獨立存在的主體。

 

總結而言，臺灣紡織產業面臨的問題，不是「沒有技術」，而是「缺乏轉化技術為風格與市場語言的能力」。當創新只停留在實驗室，而無法延伸至穿著者的情感經驗與文化定位，那麼它終究只是高科技原料，而非未來生活的關鍵部件。

 

3. 從臺北時裝週看出台灣市場與政府的盲點

自2019年啟動品牌轉型以來，臺北時裝週致力於打造「亞洲永續時尚高地」的形象，並嘗試整合產業鏈、文化政策與設計人才。但從實際運作觀察，理想與現實之間存在明顯落差。雖然活動場次密集、橫跨多個城市場域，但整體缺乏主軸敘事與觀眾引導，導致觀展體驗零碎、不易聚焦。

 

3-1 評審邏輯失焦、制度透明度待加強

臺北時裝週目前的評選傾向量化與制度化，包含：是否使用永續材料、文化符號明確度、市場規模潛力等指標。然而，設計本質上的敘事性、風格語彙與觀念實驗，卻未被有效納入評估框架。「作品的報告與簡報品質，似乎比實體衣服更重要。」這種過度格式化的評分邏輯，逐漸讓創意與風格讓位於行政流程。

 

更令人憂心的是，近年曾出現評選作品涉嫌抄襲國際品牌之爭議，雖引起業界批評，卻未見主辦方進行具體制度檢討與後續資訊公開。這樣的事件動搖評審機制的公信力，也打擊年輕品牌參與的意願。

 

3-2 世代資源錯配，創作者找不到舞台

目前的資源分配仍明顯傾向大型紡織企業與供應鏈主體。這些組織擁有完整的產學平台與政治能見度，因此在補助申請與曝光上相對容易。反觀具備文化觀點與創作潛力的新銳設計師，若缺乏量產規模或產值報表，便難以獲得進入主舞台的機會。「你的企劃沒有商業化理論及供應鏈（錢）規模支撐，就等於沒有資格申請補助。」

 

結果是，資金與行銷平台多集中於熟面孔、大品牌與標案熟手手中，小品牌則被迫轉向市集、快閃展演、自籌資源苦撐。這不只扼殺多元，也加劇風格發展的斷層。

 

3-3 創新過度技術導向，敘事力持續下滑

近年臺北時裝週明顯導入更多「在地文化」、「科技」與「功能性」素材，包含環保纖維、智慧感測與永續標章等元素。但這些材料若缺乏對應的設計敘事與穿著場景，就淪為展示規格的資訊表。常見一場秀中，十餘件服裝快速上台，觀眾記不住任何角色、也無情緒連結，只留下「這件布很亮很花、造型剪裁很誇張」的單一印象。

 

時裝應該是穿在身上的故事，而非科技樣品的延伸台。當時裝週只強調機能與規格，而忽略造型、風格與文化的整合力時，這場活動便無法轉化為真正的文化平台。臺北時裝週若真要走向國際，不該只比技術門檻、永續材質數量，而應重回初衷——讓世界透過服裝風格，看見台灣。時尚（髦）從來不是比誰技術好，而是誰能用一件衣服說出一個靈魂故事。

4. 產業迷思──當「技術」凌駕「故事」

台灣的時尚與紡織產業長年陷入一種結構性的誤區：誤以為只要技術夠新、功能夠強，就等於成功的設計。然而，真正能打動人心的設計，從來不是實驗室裡的發明，而是來自「人」與「故事」的共鳴。

 

4-1 素材至上，故事缺席

業界總是樂於誇讚自家的布料機能性多強、吸濕排汗有多優秀，彷彿只要數據漂亮，就是好設計。但他們往往忘了問：這塊布，有沒有可能成為一座城市的縮影？能不能承載一段土地的記憶？讓一個男孩成功地追上他心儀的女孩？衣服不只是科技的展示架，更該是人與文化的延伸線。如果設計只剩下性能而沒有靈魂，那它終究只是高規格的「裝備」，不是「穿著」。

4-2 教育脈絡斷裂

台灣的大學紡織科系教你怎麼測試布料的撕裂強度、怎麼寫物性規格書，卻不教你：這塊布在誰的身上會發光？它該進入哪種生活情境？時裝設計科講授服裝史與比例規則，但卻未必能引導學生如何把一塊客家花布轉譯為當代態度──不再只是文化符號的貼紙，而是一種穿上街頭的情緒力量。

 

4-3 市場試驗不足

許多人夢想著讓作品站上巴黎伸展台，走進米蘭 showroom，但卻從沒讓它先走一遭西門町的街頭。產品還沒經過任何市場的磨合與實穿檢驗，就被送往國際舞台，結果自然是叫好不叫座。也許更務實的做法，是從一場夜市邊的快閃試穿開始，感受路人真實的眼神、語言與選擇。當你能在台灣的街道打動人心，再談出海，才不至於漂浮。

 

設計從來不是「做出一件漂亮產品」這麼簡單，它是讓技術、文化、場景與人產生連結的過程。如果我們始終把「技術」當成終點，而不是讓它服務於情感與敘事，那再多的文化創新也只會成為產線上的孤島（標案自嗨長官好），不會成為時代的語言。

5. 科技與傳統的拔河：當 AI 無法理解人情味

在設計圈，越來越多人嘗試將 AI 導入創作流程，期待它能「理解台灣（人）味」、甚至在未來取代人類的直覺與審美。但這樣的期待，實在太過天真。AI 可以在幾秒內生成上百組配色與視覺草圖，但它永遠無法回答：為什麼這個配色能讓在烈日下跳舞的夜市攤販停下腳步？又或者，能否觸動一位午夜工廠女工多年未說出口的情緒？

 

 

當遠東集團還沉迷於「物性指標」、性能數據與可編程纖維，我們其實更該問的是：AI 能否量化「美感」？能否建構「情感記憶模型」？能否從成千上萬的布料中挑出最適合說故事的那一塊？目前沒有技術能回答，因為那不是資料訓練能達成的，而是人類生活經驗的產物。真正的美感，是從文化與生命交會中長出來的，它需要泥濘與混亂，需要記憶與錯誤。

 

我最近看到文化內容策進院的一個合作提案，初衷誠懇，方向正確，但執行方式與條件卻讓人遺憾——動機是解決產業痛點與創造文化經濟，實際卻淪為一場「理論第一名、驗證最後一名」的花錢展示。殺雞用牛刀，搭錯交通工具，熱血企劃最終流於 PPT 美學，設計現場一點也沒被照顧。

 

科技與傳統從來不是二選一的難題，而是一場關於「對話」與「調和」的思維挑戰。我們在談創新，但真正的挑戰從來不是「我們擁有什麼工具」，而是「我們是否知道該問什麼問題」。只有當問題對了、場域對了、節奏對了，技術才可能真正成為設計的助力，而不是另一次資源錯置。而這，正是台灣設計產業現在最急需重構的邏輯與方向。

6. 設計人的隱形戰場：靈感，不只是技巧的副產品

在大多數人眼中，設計似乎只是會用幾套繪圖軟體、能排版、能配色，就能產出的「技能型職業」。平面設計是把圖層疊一疊、字型選一選；服裝設計是畫草圖、剪紙樣、秀給人看。他們看見的，是螢幕上的成品，卻看不見背後的深層結構與思維戰場。

 

真正養成一位設計師的，從來不是哪門課程、哪張證書，而是活生生的人生經驗。靈感的根本，是來自一個人對城市的敏銳觀察、對社會的感受力、對文化的內化與轉譯能力。設計師需要跨文化的視角，也需要走過矛盾與混亂，才能從中長出有機的創作語言。而市場對這一切的理解，卻仍停留在極度表面。更糟的是，它低估了設計背後的「系統性與複雜度」，讓整個產業長年陷入速成與空想的循環。

 

 

設計的三大隱性戰場：

6-1 企劃規劃是戰略書，不是裝飾用簡報

一份真正具說服力的設計企劃書，往往超過數十頁，不只是 moodboard 而已。它涵蓋風格定位、TA 輪廓、訊息傳遞策略與視覺敘事邏輯，必須既有美感，也有商業（工業）推進力。

 

6-2 視覺呈現是協作工程，不是單人創作

從初期草圖、mockup、樣衣製作、實體打樣，到攝影、素材轉化與展示，每一步都牽涉多方協作與反覆調整。真正的設計從不可能一次到位，過程就是在「實驗中管理風險」。

 

6-3 時間成本是真實門檻，不是浪漫藉口

一個服裝系列從靈感發想到商品落地，少說三個月，還不含試產、測試與行銷預熱。如果品牌願意為此投入，就能培養出屬於自己的敘事節奏；反之，一味催促「快速上架」的結果，往往是風格蒸發、理念崩塌。

 

正是因為這些隱形環節極度仰賴設計師的經驗密度與邏輯厚度，台灣時裝產業在青黃不接之際，才特別容易陷入「有創意，卻沒辦法落地」的惡性循環。當創意被簡化為「畫圖工具」的運用，而非來自真實世界的提煉與系統整合，那些好點子終將變成被冷凍的幻覺──無人接手、無人理解、無人落實。因為設計從來不是只有操作能力的展現，而是價值、經驗、轉化與時間的總和。

7. 美學教育與設計產業的無聲危機

在台灣，「美學教育」長期被邊緣化，常被當作課表上的點綴──畫畫、音樂、戲劇，被視為「有時間再上就好」的選修，永遠比不上科學、工程、管理這些能創造產值的「硬學科」。但事實是，沒有深厚的美學底蘊，設計人就像失去航向的船長——擁有技術，卻不知目的地。在產業結構急遽轉變、AI 正在重塑創意工作的此刻，台灣設計教育卻依然卡在二十年前的思維框架，這場無聲的危機，正在慢慢拖垮我們的創新力與競爭力。

7-1 教室與市場嚴重脫節

許多設計系、美術系仍以素描、色彩學作為訓練核心，忽略了商業世界的語境轉變。學生花四年練習畫得「像」，卻未曾思考如何讓作品「動人」。等到畢業進入第一份工作，才發現手上技能難以對應市場的高強度節奏與轉換需求，紙上談兵無法應付現實專案。

 

7-2 缺乏跨域整合與協作訓練

一個完整的時尚與設計生態，從來不是單一創作者能完成的，它需要：品牌策略師、市場分析師、PR、公關、文案、攝影、造型、甚至程式開發者。但在台灣教育體系裡，這些角色彼此隔絕。每個人都在自己的小專業裡埋頭苦幹，卻沒有人被教導如何協作，如何理解別人的語言，如何讓自己在團隊中成為加分的連結點。

 

7-3 資源錯配，教育變成展示場

各大設計系所年年斥資添購高階硬體：3D掃描儀、雷射切割機、AR頭戴裝置……但現場師資缺乏轉譯與應用能力，學生也只能自行摸索軟體操作。設備最後變成「開學參觀用展示品」，而非真正進入學生作品的養分。

 

7-4 美感訓練只停留在表面

當課程仍然停留在「怎麼畫一條線、怎麼配一組色」的層次，而忽略「為何這樣畫？」「這個配色背後對誰說話？」「它承載哪個文化的情緒與脈絡？」缺乏批判與思辨的訓練，美感就淪為裝飾性的工具，而不是策略性的力量。

 

7-5 解方不是更多設備，而是重構思維

我們不缺工具、不缺技術，缺的是能把「美感」與「世界」連結起來的思辨框架。唯有從教育本體出發，砍掉多餘的設備預算，把資源用在建立「跨域實作」與「批判式思考」的訓練上，讓學生在真實的商業脈絡中思考、討論與創作，未來才有可能出現能夠落地、夠深度、又有風格的創新設計。設計不能只教你怎麼動手，也要教你為誰、為何、為什麼而創作。這才是教育真正該回答的問題。

8. 財富與審美話語權的悖論

「誰出錢誰定義風格」，正在消音真正的美學創意
在理想狀態下，時尚應該是多元與自我的展現。但在現實裡，當資源與財力被視為衡量設計價值的唯一標準，真正來自生活現場、文化邊緣與個人經驗的美學聲音，反而被慢慢消音。

威武的長官、會教的野授、富裕的董事長、集團贊助商，往往用一句「我出錢（權），你聽我說」簡單粗暴地左右了整個產業的審美走向。他們可能沒參加過一次市集、沒看過 Z 世代的街頭穿搭，卻憑一己好惡定義了什麼叫做「有質感」、「夠設計」、「能出國」。

 

8-1 風格定義的集中化

台灣時尚場域中，風格越來越集中在少數資金掌控者手中。他們自詡為美學仲裁者，卻往往以個人（熟）品味作為唯一標準，壓縮了市場的想像力，讓許多有潛力的實驗性風格根本無法被看見，更別說被接受或資助。

 

8-2 話語權的失衡

當政府機關、制度或贊助商掌控了評審席、獎助名單與曝光平台，設計師的創意常常淪為「對方 QC 清單」下的微調技術。他們不再被問：「你想說什麼？」而是：「這個 logo 能不能放得大一點？」

 

8-3 審美自主的消失

消費者最終也只能在政府與企業制定的美學樣板中選擇──買單、模仿、沉默。當每一季都在被教育「這才是對的穿法」、「這才是高級的設計」，大眾對於自我風格的探索空間便越來越小，最終變成為了「符合別人期待」而穿衣的行銷模型。

 

這樣的「資本決定美感」邏輯，正在一點一滴侵蝕台灣時尚（藝術與設計）產業的多元性與創造力。它讓底層的創意無處伸展，也讓真正想透過穿著表達立場、身份與信仰的設計者，失去了發聲的空間。當美的定義只由金字塔頂端決定，我們失去的不只是創意自由，而是整個社會對「美好生活的想像力」。

9. 風格的缺席，是臺灣設計最大的原罪

台灣從不缺技術、不缺資源、不缺專利，甚至不缺各種獎助與產學合作。我們缺的是一種更根本的決心——願意為「風格」冒險的勇氣。

 

 

長年以來，從教育體制到產業研發，主導邏輯始終傾向「功能至上、專利掛帥」：布料要能吸濕排汗、防潑水、抗 UV、調節濕度……彷彿只要性能夠強，設計就能自我成立。但從來沒有人真正去問：這樣的衣服，誰會想穿？它為什麼能打動人心？

 

從來沒有一塊高科技布料，能像一件黑色皮衣那樣，直接嵌入一個人的個性、態度與人生階段。也少有哪家大廠真正去思考過：什麼樣的剪裁與輪廓，能夠貼近東亞濕熱氣候的身體感？什麼樣的造型語言，可以成為日常生活的文化象徵，而不是週年慶折扣架上的機能孤島？

 

我們總以為問題出在「材質不夠新」、「功能不夠強」，但其實問題是——
我們還不懂，怎麼用這些材質說一個好故事。風格從來不是在報告裡長出來的。它來自選擇、來自立場、來自生活的情緒與文化的共鳴。

 

 

真正強的品牌，不是靠技術說服人，而是靠風格讓人停下腳步、回頭看、然後說一句：「我懂。」但如果我們繼續迴避風格，只談技術，只談補助，只談規格與性能，那麼再多的創新，也不過只是下一個年度報告裡的數據，而不是下一段世代故事的開端。

10. 品牌不是拿來比機能的，是用來說：「我相信什麼」

在台灣，談設計的時候，大家最常問的不是：「它有風格嗎？有故事嗎？」而是：「這件多少？CP 值高不高？功能好不好？耐穿嗎？」

 

設計被當成超市貨架上的選項──比的是價格，不是態度；看的是機能，不是靈魂；追的是便宜，不是審美。 但一件真正打動人的作品，從來不是因為它便宜，而是因為它幫一個人說出了他的選擇與立場。

 

 

品牌不是來討好所有人的，而是來表態的。它的存在，是在告訴你：「我相信這樣生活是對的，值得被看見，也值得存在。」當你穿上一件衣服，不只是穿防風、防水、防曬的材料，你穿上的是一個觀點，一種信仰，一個對生活方式的回應。可我們的市場習慣反其道而行——要品牌壓低價格、配合補助、滿足報告上每一項 KPI，最後做出來的不是風格，是一堆規格。

 

當然，技術本身有價值。但你看過哪一張規格書，能像一件好剪裁的外套那樣，讓你在夜裡多看自己一眼？你記得哪項數據勝過一個令人難忘的造型輪廓？風格不是奢侈，是一種人與世界的默契。而品牌的責任，就是把這份默契說清楚，立得直白。

11. 最後，當我們富有到只剩下錢的時候，誰還敢對你說真話？

當我們在「皮衣教條」與「科技迷思」之間來回游移，才驚覺： 一件夾克的價值，不只是防風保暖，也不只是來自專利的數據堆疊。 它真正承載的，是穿著者的靈魂、脈絡與故事。

 

唯有當台灣的紡織實力，真正與那缺席已久的時裝敘事相遇， 我們才能迎來一個既有溫度、也有深度的設計時代—— 不只是材質在飛，而是文化與想像力一起起飛。

 

但當我們富有到只剩下錢的時候， 會不會，連一句真話，也沒人敢說出口了？

本稿內容由作者本人初步擬定核心觀點、內容語句與段落架構，經 ChatGPT-4o 系統協助進行語言調整與敘事優化後，最終由作者人工審閱與校正，整體撰寫作業約耗時兩小時完成。

 

Damur Huang

Berlin

26/05/25

一個思想實驗

「我們消費者在買什麼產品，等於為那項產品投上一票。」人的理性從來不會讓自己長期做賠本生意，只要投資項目沒辦法賺錢或沒有心理價值，再好的想法也會埋沒在開放自由經濟體中。

如果市場本身從開發、生產、消費、使用到丟棄是友善環境的，就不會有環境議題擔憂；人類和地球關係是共生而不是寄生。今天台灣市場座落第一間永續百貨，是對環境、市場和人類發展的負責，集結時尚產業本身應對全球每年 9200 萬噸紡織廢料問題，開始逆向還原。

位於台北市大同區西寧北路 65-67 號的 House of Story，便是這場實驗的開端，結合時裝、永續、社會責任與商業共生的開端。

House of Story Wear 台灣首間永續百貨

依四季而更迭的前院花園

永續百貨前院花園呈現一面充滿創意的藝術牆，由「臺北市學學實驗教育機構」的學生集體創作完成。他們參訪 House of Story Wear 後，運用廢棄畫布與油畫蠟筆，進行即興街頭藝術創作，結合永續發展理念與創意冒險精神，不僅挑戰傳統藝術形式，還嘗試使用全新的材料。未來，前院花園也將因應四季變化，舉辦多樣化的市集與活動，為空間注入更多創意與活力。

左棟67號

一樓快閃主題展區攜手 T Fashion 時尚基地推出 Designer Vintage Shop 服飾共享服務，精挑各式風格的復古時裝與台灣設計師品牌走秀服，為時尚愛好者帶來全新租賃模式。用千元租賃取代僅穿一次而丟棄的數萬元購買行為；既減少浪費，也是服裝永續使用的新型態經濟。

 

二樓 The Library 採會員制管理，是融合書籍閱覽、藝術活動、學習體驗與美食享受的綜合空間。場內提供二手書借閱與交換思想與知識，定期舉辦永續主題沙龍、手作工作坊、文化Podcast錄製；「永續的酒」味道是怎樣？在 House of Story Wear 喝得到，當訊息釋出時搞得筆者都想喝。

右棟65號

一樓至二樓的 The Parlour 匯聚了超過 20 家國內外知名永續品牌，涵蓋鞋履、包款、飾品與運動服飾，這些選品品牌均以 ESG（環境、社會責任與公司治理）與透明原則的篩選標準作為開發精神；Story Wear 帶領這些品牌落實永續百貨、綠色消費的空間。

 

三樓提供服裝租賃、維修、回收的服務，作為永續時尚創造循環經濟模式，延長產品壽命的孕育重生站。未來打算再進一步拓展為藝術展覽、議題沙龍、工作坊等活動的理想場地。

首度進駐 House of Story Wear 台灣永續品牌

Story Wear

以品牌冠以同名之百貨，Story Wear 以回收牛仔布料再造設計，應對全球每年 9200 萬噸紡織廢料問題。繼筆者首次對該品牌「下一場戰爭不是石油，是水」開始，到「零廢棄時尚」的永續訴求，今天以永續百貨持續為環境盡一份力。

Yuan Jewellery

苑，將廢棄海玻璃和陶瓷碎片轉化為獨特的飾品，賦予其新的生命與價值；每件作品皆採用從不同地點收集而來的海玻璃，用各地材料結合在同一件創作上，作為每件產品各地故事的結合。

Hibāng

「漁網」和「希望」的閩南語發音。主要產品「友漁循環眼鏡」以台灣廢棄漁網再生材料製成，實現100%回收再造；鏡架僅重15公克，提供輕盈舒適的配戴體驗，並具備高彈性與耐用性，適合日常與運動時使用。

 

太平藍

專注於植物藍染及使用農廢棄物植材，以實際行動支持海洋保護，讓染織作品兼具現代設計感與文化內涵；同時致力提供友善的工作環境與技藝培訓，為地方青年、中高齡婦女及身心障礙者等群體創造就業與創業機會，進一步促進地方經濟發展。

 

淨毒五郎

日常清潔用品造成的水污染也在民生污染中佔有很大比例。B 型企業認證的台灣綠色居家清潔品牌「淨毒五郎」以消臭洗衣精、手洗精、除臭噴霧和驅蟎噴霧作為日常用品。

落實社會責任，Story Wear 長期重視勞工權益

House of Story Wear 延續台灣時裝設計師品牌 Story Wear 在做的，支持家扶中心幸福小舖的手工創作，幫助經濟壓力群體建立自信與價值。當我們逛這棟永續百貨，會看到一群社會支持對象在其中工作，落實社會責任與商業價值。這也是社會企業在努力並實踐的方向，Story Wear 正在執行進行式。

各界人物共襄永續百貨落成

House of Story Wear 負責人 劉忠祐

永續環保不該是遙不可及的理想，而應是一種人人都能實踐的生活方式。

 

共同創辦人aka Story Wear 主理人 陳冠百

提供消費者最永續便利的服務，消費者就願意嘗試永續體驗，讓消費改變世界。

 

金鐘影帝 莊凱勛

我們其實可以在日常生活中，透過各種小事來實踐永續理念。我很開心看到台灣有這樣一間充滿多元商品的永續百貨。

 

金鐘主持暨永續品牌 ;PiOTOPIA 主理人 李霈瑜(大霈)

過去因為主持旅遊節目《水下三十米》，我親眼看到全球水域的共同問題——垃圾無國界，這讓我深受震撼，也啟發我開始行動。這幾年來號召舉辦了多場淨灘淨海活動，撿起了超過 5 公噸的海廢，也創立了無塑手工皂品牌『;PiOTOPIA』。我始終相信，永續不必是困難的事情，只要多一點思考，用正確的方式消費，就是給地球最好的支持。

 

2024世界拳擊總會年終賽 金牌 黃筱雯

身為來自單親家庭、隔代教養的孩子，我在國中陰錯陽差加入了拳擊班，靠著教練的支持與自己的努力，一步步逆轉命運，走到今 天，成為一名拳擊選手。Story Wear 長期與社福單位及家扶中心合作，致力於幫助弱勢家庭，這樣的理念讓我深有共鳴。希望透過今天的活動，和大家一起發揮正能量，為社會傳遞更多溫暖與希望。

永續百貨 House of Story Wear

以時光為筆，書寫一個世代的篇章
推開一扇讓時光交會的窗，歷史的脈動在此綿延至今
每一件選品與每一處空間，都是歷史的縮影，或承載過傷痕，或蘊藏著希望
但無論如何，終將化為下一世代的美好養分而存在
從此刻起，凝聚經典不朽的風采，傳遞美好永續不息的故事。

 

永續百貨 House of Story Wear 官網

永續百貨 House of Story Wear Instagram

永續百貨 House of Story Wear 地址：台北市大同區西寧北路 65-67 號

永續百貨 House of Story Wear Google Map

永續百貨 House of Story Wear 營業時間：週二至日 11:00-19:00（週一公休）

時裝說：「如果市場本身從開發、生產、消費、使用到丟棄是友善環境的，就不會有環境議題擔憂；人類和地球關係是共生而不是寄生。今天台灣市場座落第一間永續百貨，是對環境、市場和人類發展的負責，集結時尚產業本身應對全球每年 9200 萬噸紡織廢料問題，開始逆向還原。」

歷代通用技術演進

在講人工智慧之前，先分享給讀者一項概念：那種顛覆我們、改變人類生活方式的科技技術，是該項技術能被廣泛被我們應用的。再講直白一點就是這項技術不僅能應用在時裝產業，美食、醫療、運輸、歌曲等多領域都能被使用。

從掌握火的應用開始，輪子發明、畜牧技術到農業技術；《槍炮、病菌與鋼鐵》表示在農業技術發明後養了一大批閒人作為統治階級和貴族，加速文明進展。要說火能夠煮熟食、保暖、照明和冶鐵，後來的電通用到電腦、電視、電燈、電冰箱，今天我們生活無處不用電；網際網路在電的基礎上創造了現實價值以外的虛擬價值，而人工智慧則大量學習網際網路資訊基礎上，未來能成為像上述這幾項科技的「通用性」嗎？

AI人工智慧在時尚產業應用

作為以時裝為主要探討的媒體專欄，《時裝說》以當前AI在時尚產業的影響展開。

對服裝設計師來說，人工智慧app應用

The New Black協助我們服裝草圖快速生成、Heuritech未來一年趨勢及庫存分析、Lalaland提供品牌創建數位模特、杜絕及避免仿冒品的Dupe Killer、從設計開發到生產均涵蓋的CALA、還有協助電商工具的Rosetta.ai。搜尋相關關鍵字，AI生產工具和解說文章影片在這兩年持續更新且蓬勃發展中。

隨著服裝設計師在AI圖片生成創作的參與，2023年Maison Meta於紐約舉辦全球首場AI Fashion Week（AIFW），在全球範圍內的服裝設計師以Midjourney來生成作品；在最後要落實商業，這場時裝秀後在最後獲選的三位設計師作品，由電子商務巨頭Revolve生產並銷售。面對機器學習語言模型的蓬勃發展，知名趨勢預測機構WGSN甚至已經開始使用旗下的 TrendCurve+ 模型來協助對市場觀察。

 

對消費者來說，人工智慧app應用

在消費者端，我們也可以找到像StyleBook、Vera和lookingGLASS…等，AI助理會根據讀者穿搭習慣和身形，選出市面上適合你的單品建議；即使在既有衣櫥中，AI助理也會根據讀者膚色、妝容、天氣，整合搭配出今天適合你著裝的建議。2020年NETFLIX紀錄片「The Social Dilemma」有句話說：社群媒體比你更了解你自己。藉網路資訊大量訓練的人工智慧，只要結合上述開發端幾隻人工智慧應用彼此數據結合，未來在庫存及消費端時裝選擇搭配上將更精準、減少浪費。

 

再結合AR、VR身歷其境選品和遠端看秀的輔助，機器學習語言模型於大部分時裝產業從設計、生產、模特、走秀到購買等階段都涵蓋了過去人類的所擔任工作與日常。這像不像我們在上一段講的「通用型技術」？不久的未來AI在時裝產業佔了超過50%工作或輔助，將對人類不僅是工作模式，而是思維方式的影響，包含要會基本的與AI助理溝通方法、AI與人類道德判斷以及釋放出來的時間空間新整合。

只是，人工智慧能取代我們時裝產業工作及生活到什麼程度？它有哪些課題需要克服，才能讓我們再大幅減少現有的工作，甚至是哪些是很難取代的部分？以下展開。

AI人工智慧在時尚產業需跨越門檻

有些事，還是得人類才能完成。筆者不講部分設計師矢志不渝不用AI工具，就如同今天部分的人幾乎不使用社群媒體；筆者要說的是供應和需求之間AI能不能跨越的門檻。

從軟體到硬體

讀者有沒有發現，我們上述講的AI通用技術全都是軟體。今天在研發生產紗線、編織布料、甚至天然纖維都需要人力研發、管理和植栽。即使有機器生產這些硬體器具，但這些器具目前還是給人類管轄，目前尚無聽聞人工智慧管理生產器具訊息。如果從消費端追溯到設計端能藉AI調控生產量，那再更上游的纖維生產端能全面同步將資料統合，將更大程度減少人類訊息不對稱而導致的生產過剩。唯那個時候所有生產資料均由AI掌握，我們是否能接受？

除了生產，還有運送。今天布料生產、服裝製作到配送至消費者，都需要物流輾轉騰挪，這需要IoT物聯網技術支援。這幾年開始有機器人擔任這項配送食物的任務，只在於當配送機器人多了以後，在交通上該如何處理？這項雖然在美國、新加坡、日本逐步落實，在台灣還沒看到萌芽。

AI能取代體感嗎？

即使網際網路發達，但仍無法取代面對面感受；網際網路是我們在一般時空再延伸的時空。人工智慧也是如此，即使AI助理再怎麼展現色彩、輪廓、講述衣服材質觸覺、特色，也都無法取代我們親自試穿服裝所帶給肌膚那份觸感的感受。其實光是布料光澤，僅在手機電腦螢幕所呈現出來的並不是100%，還是要親自肉眼看、在陽光下看、在室內看，才能知道細微差異。

以當前視角來看，AI再怎麼演進，也無法取代體感和視覺感受。

時尚產業鏈末端

本篇都在探討時尚產業鍊的前端到末端，其實末端還有一項沒提到，就是時裝的最終歸宿。說是人工智慧能協助我們減少生產浪費和購物精準，而最後這些單品最後應該怎麼處理？是否可藉AI助理結合IoT物聯網將不要的衣服處理掉？如果是肯定的，那我們是否應該將當前各家AI公司資料庫統一串連，並讓人工智慧掌握應替設備智能調配？

其實這和剛才說「軟體到硬體」是一樣的最終問題

我們要選擇過量生產，還是把權力交給AI？

AI人工智慧對時尚產業影響的題外話

以現在我們日常使用社群軟體的廣告為例，即使是經大數據推薦的廣告，我們一眼就知道是廣告而不是一般素材（除非該品牌用一般素材打廣告）。而即使是一般素材的廣告，我們通常也不會第一時間看到廣告而下單購買，因為大數據可以知道我的興趣投遞時尚新品給我，但並不知道我當下的需求想買的是可和男友相約的音樂會門票；也不清楚我現在的預算和心理帳戶是多少，比如筆者在寫這段文字時朋友相約喝酒，我心中理想酒吧預算和地點的推薦，以目前大數據是不知道的。

AI 助理即使再厲害，也是從網路資料獲取，對於我們線下日常生活的隱藏資訊是一概不知。要做到AI 100% CTR，當前筆者是看不到。

時裝說：「時代演進建立在當代基礎上。看到AI人工智慧有著通用性技術的潛力，在今天眾多AI app蓬勃發展，經過各家發展、收購、吞併；依慣例，市場演進到最後會有幾家獨大，獨大的這幾家將統合掌握更完整生產與消費資訊。而AI和過去通用技術不同在於：過去技術都由人力掌握，AI則是在大量學習下，在字與字、句與句乃至數學程式邏輯『湧現』生成出讓我們讀得懂的語言模型。而我們人類望文生義，對於推薦的建議，是非人提供給我們的。而人與非人（AI），有什麼不同嗎？」

面對生死的無力，柯靉廷探索對生命與環境的永續承諾

聯合國於 2015 年發表 SDGs（Sustainable Development Goals, SDGs）項目包含基本人權、兩性平等、永續生產與消費、健全司法等17項「2030永續發展目標」。EMORA品牌核心在「Embrace your Aura.」基礎上，生產過程必須落實SDGs。

 

那時候因家人生病，正逢疫情期間找不到看護，EMORA 設計師柯靉廷放棄手上工作以及台北生活，回到台中照顧家人。在醫院中，每天看著醫護人員忙進忙出，還有現場工作環境，讓柯靉廷感到時尚、服裝在生死面前並不重要。那時候就開始思考：「衣服除了是美的物件之外，是否還有額外價值。」

設計師柯靉廷接著說：「後來去英國生活一段時間，我住的地方有公園，好幾百頭羊生活在那裡，我與羊群共處的日子感受到純粹的快樂，這段日子讓我意識到『 服裝再生產的過程中，對人、對生物不能有剝奪感 』。我就開始用英文找跟永續相關關鍵字，就讓我找到聯合國 SDGs 17 項永續發展聲明，在這 17 點也能看到環境、人道、採購、水資源、能源等議題。從這個契機，讓我對自己下一個宏願：雖然品牌還小，但 EMORA 發展過程要以聯合國SDGs 永續發展為目標來做每一個決策。」

只要多付一點錢就能買到名牌，我們怎麼選？

「只是」柯靉廷話鋒一轉：「首先，可以供應永續＋機能＋時尚＋小量四個要素並存的廠商，非常難尋找。台灣有不少廠商有能力做出永續機能的面料，但讓小品牌卻步的原因往往卡在龐大的起訂量。其次，買到布料以後的生產、製作環節，EMORA 也必須符合SDGs標準；像是不讓師傅加班、提供給師傅良好環境，這使得製作費用比較高昂。其實還有最後一環。」柯靉廷說：「消費者是否認同這件事，『永續』這件事除非消費者有共感並支持，不然很難形成迴圈。」

再給讀者一項思想實驗：一樣，今後我們改吃素肉蔬食，不用燃煤發電、不開汽油車、購買符合人權、環保、公平交易的產品；不過，只要再加一點錢就能饗宴米其林、開跑車、CP 值更高的產品。我們會怎麼選？

 

落實 SDGs 的 EMORA 售價，只要再加一點錢就能買名牌。讀者會怎麼選？（按：其實在筆者看來，EMORA 單品售價和台灣服裝設計師品牌均在中高價位，並沒特別高。）

觀察歐洲與台灣，EMORA 設計師柯靉廷認識的台灣時尚市場

自 WHO is ATK 到 EMORA，柯靉廷陸續參加溫哥華時裝秀及優選、首獎、第一名等成績認可，如有機會會願意繼續參加選拔或時裝秀嗎？還是有怎樣發展計劃？

EMORA 設計師柯靉廷答：「目前專注在品牌推廣和銷售，直接尋找選品店，並跟著國外商展走。在我旅遊歐洲幾次下來，認識各地教育、歷史、文化背景各有不同，海外發展的話，會從德國開始。」

談起台灣時裝市場，柯靉廷有感：「除了人權永續產品外，台灣人還是比較穿保守服裝居多。有部分的人願意嘗試，其中大部分的人可接受一些新的巧思，再多一點創新就無法嘗試；這跟我在國外面對的客人回饋剛好不同。」

 

「不過」柯靉廷笑著說：「還是有幾位客人讓我印象深刻。最近一個例子是品牌在台北快閃遇到一位姊姊，我把一件防潑水單品介紹給姊姊，他很高興，原來姊姊是在漁船上工作的，防潑水機能就很重要。重點是市售防潑水單品並沒有呈現女性優雅和時裝感。這讓我感受到原來機能和美感的結合，真的是會有人親睞的。」

不是衣服穿人，而是不同身型的人身著 EMORA 依然優雅

不因季度而影響與環境共生的 EMORA，設計師柯靉廷走的是慢時尚。時間的孕育服裝的雋永性、呈現的極簡感，以及細看沒有拷克線的內襯。好的衣服可讓我們穿很久，自然也沒有所謂『過季』概念。

要說 EMORA 在時裝市場中扮演是怎樣角色，柯靉廷答道：「EMORA 是代表有自信的人、打開心胸願嘗試不同新事物的同時，保持善良；在長相、身材、個性和精神可以多包容面向。EMORA（ Embrace your Aura. ），擁抱你的氣場；不同身型的人身著 EMORA 一樣優雅得宜。」

在時裝產業從事 10 年下來，柯靉廷對台灣市場的回饋：「不一定都要買設計師或昂貴衣服。最簡單的方法是培養自己的『時裝感』是願意聆聽；即使快時尚、便宜的東西容易被吸引，但願意聆聽每一個品牌價值、單品故事，一定有個品牌和你產生共鳴。」

 

 

EMORA 官網

EMORA Instagram

EMORA Facebook

時裝說：「在歐洲，人權、永續發展價值觀比台灣起步更早； EMORA 以聯合國SDGs 永續發展為品牌核心，在今天的台灣資源與環境相對佈滿荊棘。理想主義或許在當代走的步履艱難，卻是引領我們下一個世代主流先驅。」

致力探索台灣職人故事的INF

每個月訪談不同產業、各項職業的INF，不僅多觸角探究共處在台灣這塊土地上的多元故事，也是品牌獨具特色的傳統。曾訪談過臺北市立復興高中戲劇班召集人李明哲、職業攝影師張淵琮、到府髮型設計師巧虎；今天《時裝說》有幸受邀作為INF訪談職人，本篇以特選訪談中幾個問題的完整回覆內容。

這邊先附上受訪INF於instagram貼文，也歡迎點選INF貼文閱讀其他問答（共三篇貼文）。

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Q: 平常都如何吸收與保持對時尚新知？

平時以發摟台牌資訊作為新資訊的掌握，也會跟時裝愛好的朋友聊天聊到。相較於大部分編輯可能發摟國外時裝資訊，平常我則是聽書或閱讀，有關前沿科技、哲學、經濟學、物理學、腦神經科學…等作為解讀時裝的角度和養分。

 

Q: 在資訊速食化的現在，你如何看待這個現象？

在我看來這本來是市場演進的現象，「演進」「演化」本身是中性詞，沒有好與壞。

如果真要問我的觀點，答案是「壞」。有一說法是19世紀是人類歷史上最理性的時代，後來理性淪喪。19世紀那時完成理性與思想啟蒙，獲取資訊主要來自報紙，當時報紙是很貴的，裡面滿滿申論文章內容，讓讀者能夠深思，也讓生活活得深刻；20世紀以後，廣播、電視機、電腦、網路和手機的發明，前3秒視覺刺激而少了深刻思考，然後我們習慣性依照第一直覺做事，理性且深刻思考，在20、21世紀逐漸稀缺，這對民主國家而言是隱患（講太遠）。

Q: 在台灣眾多品牌中，你認為INF扮演著什麼樣的角色？

即使台灣也有眾多獨立設計師品牌，INF是少數以時裝包裝並闡述台灣在地文化的服裝設計師品牌，包含SS21 CONNEXTION講我們台灣當前最常使用通訊軟體「LINE」、AW21 TIME MACHINE涵蓋台灣早期深根於巷弄內的柑仔店…AW23 AMA描繪台西海岸討海而生的女性故事。堪稱最具代表台灣的時裝品牌之一。

在少數以台灣在地文化為己任的品牌中，INF又獨具低調內斂的黑系屬性，黑並不張揚，卻能在光源下看出立體剪裁的獨特性。換句話說「我很屌，但我低調。」

在服裝本身來看，設計師郭瑋的平織剪裁手法堪稱熟練精湛；能夠在平織布上剪裁出立體層次感，並且連貫品牌「一衣多穿」，這在平面畫圖轉變到立體剪裁的大腦構思是很強的；幾個關鍵節點上，一顆扣子、一對金屬環都是構成產品多變的支點。在我為INF撰文時，多次評價郭瑋是「平織魔法師」。

Q: 從媒體角度出發，你認為與國外精品相比，台灣的自創品牌們仍有什麼不足之處？

不足的點有三，「時間」「空間」「資本」
時間：國外精品動輒發展數十年甚至百年，在當時無論服務貴族的傳承和壟斷媒體的紅利，那些早期發跡的品牌成功形塑了市場對他們既定印象和慣性。台灣近幾年發展的品牌少了時間紅利。

空間：歐美在「設計」「美感」和「品牌」給予充分尊重和開放。特別是在美國紐約對於新品牌的市場接受度很高，我們身處在台灣這塊土地，雖然人均GDT不錯但市場小之外，普遍在「設計」「美感」的重視承度已不是新聞，且在「品牌」這方面較沒自信，當前台灣普遍價值觀，只要該品牌被歐美媒體或名人肯定，那在台灣的品牌身價才跟著有些幫助。

資本：大的資本可以縮短時間、拓展空間。國外精品大多已沒有所謂獨立設計師，都是財閥集團下的各自品牌；有錢可以在海外辦秀、壟斷廣告版位、精華地段設櫃、拓展生產規模並壓低成本…簡單說沒辦法比。

解方

1. 快閃是一個很好試水溫方式
2. 有能力的話一定要海外發展
3. 每季走秀創造媒體話題，但仍要維持產品品質和品牌風格
4. 獲得買手、編輯、造型師、明星的青睞，長期進行公關、贊助、人脈等經營
5. 累積資本，作為借貸來創造更多價值的憑據

特別感謝

@josephohohoho
@freddy.makeup
@z90070106
@infdark

 

時裝說：「不小心筆者就露臉了。」

文化部臺北時裝週報名簡章公告時間、徵選品牌數

季度	公佈時間	預計舉辦時間	徵選品牌	對應左欄的項目	瀏覽人次
AW24	1月23日	15-30 Apr	10,1,1	show, shop, B to B	630
SS24	6月5日	12-16 Oct	16,1,1	show, shop, B to B	5343
AW23	12月30日	24-28 Mar	12,1,1	show, shop, B to B	1755
SS23	6月7日	14-22 Oct	16,1,1	show, shop, B to B	3701
AW22	12月14日	23-27 Mar	12,1,1	show, shop, B to B	4035
SS22	5月28日	2-17 Oct	16,1,1	show, exhibition, B to B	3783
AW21	11月18日	10-14 Mar	1,12,1,1	sustainable show、show, exhibition、B to B	6148
SS21	8月14日	6-10 Oct	1,16,1	welcome party、show, exhibition	3783
AW20	1月10日	19-23 Mar	17,1	show, exhibition	3784
SS20	7月23日	—–	16	show	118

在手機看這份表格會不完全，下面筆者放了圖檔可點開看完整版

我們可看到幾個規律

1. AW季度通常以年底12月公告徵選，這次延至一月中後，上次也是1月布達年份在2020年1月10日，會延遲佈達難道跟總統大選有關？
2. 預計舉辦時間大致在5天到14天不等。其實很像快閃展覽，是場租、人力、媒體經費太貴？還是公開報名徵選品牌太少？是值得另外展開再講。
3. 只要是AW季度，徵選品牌數會是SS季度的75%，年末的SS是大季；蠻符合副熱帶季風氣候的台灣。
4. 承上，不過本季徵件從過去12縮減為10，時裝週幾年下來名額不增反減，是文化部次長換了原因？還是經費爭取不足？也是值得展開再講。
5. 前幾年臺北時裝週在摸索，SS22以後基本固定為「show, shop, B to B」。
6. 根據文化部公告顯示，瀏覽人次在AW21為高峰。筆者推測當年是全世界在covid-19疫情肆虐下，唯一舉辦時裝秀的國家，因此別具新聞價值？
7. 因每季度OPEN開幕秀簡章有的獨立、有的和主秀一起，AW23被文化部當季度的開幕秀簡章申請給稀釋掉，當季開幕秀簡章瀏覽也約為1750。
8. 補充：文化部SS20簡章連結已壞掉，所以找不到當季更多內容

文化部臺北時裝週公告承辦單位、報名資格和評分標準

季度	承辦單位	報名資格	準備套數	評分標準
AW24	暫無承辦單位	品牌成立五年作為新銳分水嶺。發表1-2次系列作品+至少一個銷售管道	35套以上，這次沒有New Breed	設計風格、市場、文化，40,40,20 沒有永續加分項
SS24	同下		35套以上，New Breed 12套以上	設計風格、市場、文化、永續，40,40,20,+
AW23			30套以上，New Breed 18套以上
SS23
AW22
SS22	此後聯絡窗口改為樺舍公關，且報名簡章更為正式，非單純報名表單	品牌作為3年作為新銳分水嶺	30套以上	設計風格、市場、文化、原民+永續，40,40,20,+
AW21	同上		簡章沒明說	提供品牌和作品資料即可
SS21
AW20
SS20

我們可以發現

1. SS22是分水嶺，報名簡章開始正規化（以前只是單純報名表格），過去主辦單位基本以樺舍公關為主，這次公告後暫無公告承辦單位，知道原因的讀者歡迎留言。
2. AW22以後明確區分，報名資格要求發表1（新銳品牌）、2（正規品牌）以及至少一項銷售通路作為報名資格。
3. 從原本30套才能報名，到近2季需35套。報名難度稍有提高。
4. AW24沒有New Breed，對新設計師來說是一項遺憾，知道原因的讀者歡迎留言。
5. 評分標準也在SS22以後趨於正規，設計風格、市場性、文化性個佔40%, 40%, 20%。撇開品牌產品設計，可知市場始終主導文化。
6. SS22加分項原民元素只是錦上小花，筆者記得當季除了開幕秀確有融合原民文化，其他品牌秀基本還是走自己風格，再次應證「文化」在市場中仍處弱勢。
7. 因為概念普及？還是歷屆基本沒人關注？永續製程概念在本季加分項被拿掉，對於當年首次以永續主題作為時裝秀開場的全亞洲第一國家，從外部角度來看有點諷刺。

文化部臺北時裝週公告之其他事項

季度	選品店規範	買手採購規範	座位保留	其他特殊事項
AW24	此前選品、買主採購均為徵選，這次是參與走秀品牌一起綁定	後續辦理方式另案說明	保留主辦單位100席	報名品牌皆需提出近 3 年營業額，以及如銷售、通路、國際拓展等發展規劃
SS24	徵選品牌需準備近兩季20套	B to B需準備當季20套	保留主辦單位80席、劇場演出50席	開始有「訂貨會」，並寫成效報告
AW23	徵選品牌需準備近三季20套		保留主辦單位80席
SS23			保留主辦單位80席
AW22			保留主辦單位80席
SS22	沒有快閃店		無特別規定	此後沒有展後績效調查，採用一個月內再提供成效結案報告
AW21		沒有買手採購		要求填寫資本額、去年營業額
SS21
AW20
SS20

我們可以看到

1. 選品店和買手店改動明顯，過去是徵選，這次是選上品牌秀的品牌就直接綁定選品和買手。這對品牌來說是好事？還是必須分擔人力顧店？
2. AW24有可能嘉賓變多？過去保留80席位置在本季新增為100，品牌可發揮座位編排稍微少了一點。SS24必須額外保留50席給劇場，筆者疑惑的是，除了開幕秀舞者、工藝秀以外幾乎沒有什麼劇場表演橋段，不知這50席是否為虛設？
3. AW24本季開始重回AW21時候，要求『報名品牌皆需提出近 3 年營業額，以及銷售、通路、國際拓展等發展規劃』。文化部開始參照各品牌在市場中發展潛力，就不知是扶植角度還是拱營收強的品牌角度了。

時裝說：「市場始終壓過文化；以評分標準來看，筆者臆測文化部將拱營收強的品牌。從35套到本季把New Breed關了、只開放10名名額來看，報名臺北時裝週門檻是更高了。另外，第一個五年計劃已過，本季開放名額不如過去，從外部視角來看，是因為本次比較晚公布、還是不這麼樂觀？」

語言的敏銳重要嗎？

先說結論：想提高台灣美學，服裝語言的精準就蠻重要

舉兩個例子

語言之於色彩

位在澳大利亞、印度尼西亞之間的巴布亞新幾內亞的丹尼語、而西非的利比里亞和塞拉利昂的巴薩語，這兩種語言基本顏色只有兩個詞，「暗」「亮」。在英語，顏色就被分為十一種「紅、橙、黃、褐、綠、紫、藍、黑、白、灰」，相較於上面兩個地區的人，對顏色更敏銳。俄文和希臘文則多達十三種基礎色系，他們將「淺藍」「深藍」看做是不同基礎色，在他們眼中，比我們對這兩顏色更敏銳。

語言之於家族

可能顏色對部分讀者來說比較少共感，畢竟我們無法體會俄羅斯人、希臘人眼中「深藍」「淺藍」明顯區別的感受。

我們華人家庭中對親戚稱呼相較於英美就更明顯客觀的不同，過去因儒學和禮教，漢人基本住在六合院、大宅院中，表舅哥、外姪女、三叔公、六嬸婆的精確稱呼，叫錯了可能會被鞭數十然後驅之別院。而歐洲特別在中世紀基督教推廣一夫一妻小家庭概念後，個人主義高於家族主義，除了直呼姓名，一律以Cousin、Niece、Uncle、Aunt稱呼。

哲學家維根斯坦的觀點

哲學家維根斯坦 Ludwig Josef Johann Wittgenstein 的「語言遊戲 Language Game」認為：我們生活中講述一個字詞的意義，不能脫離使用者的生活形式 (Form of Life)。

也就是說我們所說能說出來的字詞源自於我們日常生活經驗。我們的行為無法超過大腦經驗以外的範圍，即使有想像能力，也是基於經驗以上。

如果說不出「襪子」統稱以下的細項，筆者會擔心未來台灣對服裝基本概念認知受限。依照維根斯坦「語言遊戲」邏輯推演，如果能將服裝個品類細項名詞掛在日常生活中，因為這些名詞已經具體存儲在我們大腦不再是模糊統稱，我們就有機會對這些細項再次發展、創作，那對台灣服裝美學推動相信會更好。

台灣服裝語言名詞可優化範例

下面筆者會從Google Ads報告書的近一年紀錄，以「襪子」開始，舉出幾個台灣常用的服裝，對應國外有哪些常用該品項「搜尋字詞」的細項，可做為我們日常生活中可用來對話的品項。

襪子(SOCKS)

1. compression socks 壓力襪
2. grip socks 握力襪
3. running socks 跑步襪
4. ski socks 滑雪襪
5. waterproof socks 防水襪
6. fishnets tights 魚網襪
7. darn tough socks 該死的緊實襪
8. wool socks 羊毛襪
9. diabetic socks 糖尿病襪
10. ankle socks 及踝襪
11. hiking socks 健行襪
12. dress socks 禮服襪
13. cycling socks 騎行襪
14. thigh high socks 高筒襪
15. crew socks 船員襪
16. kids socks 孩童襪
17. yoga socks 瑜珈襪
18. boot socks 靴襪
19. bed socks 床襪
20. tabi socks 分趾襪

洋裝｜禮服(DRESS)

1. wedding guest dresses 婚禮賓客禮服
2. bridesmaid dresses 伴娘禮服
3. prom dresses 舞會禮服
4. summer dresses 夏季洋裝
5. maxi dress 長洋裝
6. midi dress 中長連身裙
7. cocktail dresses 雞尾酒禮服
8. formal dresses 正式禮服
9. flower girl dresses 花盒禮服
10. blazer dress 西裝外套洋裝
11. shirt dress 襯衫連身裙
12. skims dress 脫脂連身裙
13. evening dresses 晚禮服
14. wrap dress 裹身裙
15. velvet dress 天鵝絨連身裙
16. self portrait dress 自畫像禮服
17. crochet dress 鉤針連身裙
18. feather dress 羽毛洋裝
19. one shoulder dress 一字肩洋裝
20. shift dress 直筒洋裝

帽子(HAT)

1. bucket hat 漁夫帽
2. beanie 毛線帽
3. straw hat 草帽
4. fedora hat 軟呢帽
5. trucker cap 卡車司機帽
6. flat cap 平頂帽（報童帽）
7. beret 貝蕾帽
8. sombrero 闊邊帽（帽西哥帽）
9. pork pie hat 豬肉派帽（紳士帽）
10. top hat 高頂禮帽
11. bowler hat 圓頂禮帽
12. trilby hat 氈帽
13. fluffy hat 蓬鬆帽
14. snapback hats 後扣帽
15. derby hat 得比帽（圓帽）
16. umbrella hat 傘帽
17. surf hat 衝浪帽
18. russian hat 俄羅斯帽（東北帽）
19. docker cap 高爾夫球帽
20. cloche hat 鐘型帽

外套(COAT)

1. trench coat 風衣（泛指BURBERRY發明的防水風衣的延伸）
2. black puffer jacket 黑色羽絨服
3. faux fur coat 人造毛皮大衣
4. teddy coat 泰迪外套（毛呢外套）
5. duffle coat 粗呢大衣
6. petticoat 襯裙
7. sherpa coat（合成紗線捲曲絨織物外套）
8. duster coat （腰際沒有腰帶的輕風衣）
9. chore coats（像襯衫一樣扣子從領口到衣襬，但是是外套）
10. wrap coat 裹身大衣

時裝説：「普及服裝語言精準化只靠筆者一人還不夠，需要教育部、意見領袖有共識才有機會。香港出版商FASHIONARY推出的書很推，基本款《FASHIONPEDIA》，裡面有更多服裝款式精準名詞。」

品牌成功公式定律二：業務表現有上限，但成功無上限

運動冠軍選手成績比第二好一點，收入是千百倍

演藝人員的成就和收入成冪律分布

蝦皮上價格稍低的同產品銷售量佔整個市場90%

這種只要贏一點點就能佔據市場大量份額的勝者通吃現象我們叫馬太效應（Matthew effect ）。

服裝市場上，不同品牌風格無法比較，那相同風格的衣服要怎麼比較？接下來本編用一項觀念、一場比賽、一種選拔給大家啟發。

首先你要能入場

你要有一定實力才能參加運動競賽、你要能在導演眼前展現演技並被選中、你要有產量和倉儲空間，才能在運動競技、演藝圈、蝦皮賣場和他人競爭。上一講說的有些行業「業務表現」贏了就贏了，而大部分行業是「業務表現」「社會認可」兩項都要，看中比例不同而已。時裝品牌要有長期可發展的「社會認可」，要有一定水準「業務表現」，才能入場。

紅酒評比真的客觀嗎

先說結論：想在紅酒裡分出真正的高低，幾乎不可能

專家可以為我們分享這瓶酒口感怎樣、它源自於哪裡、用什麼方法釀造以及歷史。但如果要為25美元和200美元的葡萄酒分出高低，專家們分辨不出來。

《成功公式》作者巴拉巴西提到在一次紅酒比賽中，研究者在一天內把同一種紅酒分三次給品酒師評測；結果成績大多如下

第一次80分，這在紅酒比賽中是一個很低的分數

第二次90分

第三次96分，是高分

在所有品酒師能為同一種紅酒打出穩定分數的佔比，只有18%。

也就是說專家自己跟自己都無法自洽，怎麼能在整場比賽中，為這隻紅酒客觀評價呢？當大家都是高手時候，要怎樣讓自己勝出？

比音樂還是比表演

有人做過這麼一個實驗。在受試者不知道比賽結果的情況下，讓他們對一場真實的鋼琴演奏比賽的三位選手的表現做判斷，猜一猜是哪位選手得了冠軍。

第一組受試者只聽聲音不看現場，他們接收的是最純粹的音樂評比，結果準確率只有25%。這可是三選一的選項，胡亂選都有33%的準確率，這個成績完全不及格。

第二組受試者則是只看圖像不聽聲音；可這是音樂比賽，結果這一組的準確率竟高達50%。

第三組受試者邊聽邊看，判斷準確率還不如第二組。

難道現在鋼琴比賽變成比視覺藝術了嗎？我們只能說高水平選手的演奏水平已經無法區分了，人們只能用音樂以外的東西，比如演奏者沈浸表情、誇張手勢，甚至帥不帥、正不正成為評判名次的標準。

大家都是高手時候，需要找到自己特點，剩下的交給運氣

獨家只有自己有的、開發特殊技術手法、做了個第一或系列靈感讓對方留下印象增加被評選的印象和機會。大家在業務表現鑽營時，可以適度讓自己跳脫出來，看有什麼可以延伸。

每個品牌都具獨特性，能入場的都是高手。按《得到-萬維鋼精英日課III》説「在金子對金子的比賽中，『公平』這個詞沒啥意義。差距已經微乎其微，裁判再怎麼樣都無法保證絕對的公平。」

品牌成功公式定律三：過去的成功x適應度=未來的成功

先解釋名詞

過去的成功：很好理解，上一季火的系列作品、上一個成功創業項目

適應度：不是按讚數、討論度、買氣，而是觸及率、互動率和轉換率

它們兩個是相乘關係，所以都是未來成功必要非充分條件。

白給的成功也是成功

一般來說連續創業者基本上能連續創業，是因為上一次創業成功了才有第二次。而成功也可以是白給的。

社會學家在群眾募資網站「Kickstarter」做了一項實驗，隨機選擇200個新項目，分成兩組。對第一組，研究者給每個項目捐了一筆幾十美元的小錢，對第二組什麼都沒做。結果收到研究者隨機給的這比小小的啓動獎勵的項目，後來獲得別的捐款的比率是第二組的兩倍以上。

這就是馬太效應，這就是為什麼你得贏在起跑線。初期的一點點小小成功都彌足珍貴，能給你帶來新的成功。

適應度 vs. 歡迎度

有一個著名實驗，雅虎公司有個音樂實驗室，準備了很多新歌，邀請了14000名受試者來聽。研究者通過一些分組確定這些新歌的排名，然後在另一些分組裡故意把排名顛倒過來。

對大多數歌曲來說，真的是被排在前幾名的歌曲很受歡迎。受試者就好像綿羊一樣，別人說這首歌好聽，他們就更多地下載了這首歌。

但是，有幾首特別好聽的歌沒有被壓住。哪怕你把它排名壓得非常低，受試者仍然能慢慢地把它頂上來。據此，巴拉巴西提出了一個概念，叫「適應度（fitness）」。

在本來被排在很後面、點閱數低的歌曲，因該歌曲適應度（互動率、下載率）高，逐漸讓自己排名越來越往前。

 

作者巴拉巴西說「適應度」並不一定是業務表現，因為業務表現是個獨立的分數，而適應度是跟別人競爭的優劣情況。但是適應度不受社會認可的影響。

在本編看來，「社會認可」是「歡迎度」，也可以說是「過去的成功」，因為你的成功是我們認可。它可以表現在按讚數、討論數和銷售量上，這幾項指標是「數值」不是「適應度」觸及率、互動率和轉換率這樣的「比例」上。產品A可以銷售量很好，單品販售1000件，可能要10萬人看過；而產品B雖然銷售量100件，卻是1000人看過後，每十個人就有一人買了產品。

所以說「社會認可」x「適應度」=未來的成功

資料來源：The Formula: The Universal Laws of Success
得到《萬維鋼精英日課第三季》

 

時裝説：「創業家連續創業、品牌系列持續火，有它背後公式。當每個品牌在說自己特點時，沒什麼公平可言。這讓本邊想起『謀在人成在天』，盡最大努力，成了那些利益是附加，敗了並不影響自己，下次再優化就行。」

《成功公式 The Formula》作者是誰

這本書的作者是美國東北大學和波士頓複雜網絡研究中心的教授，艾伯特-拉斯洛·巴拉巴西（ Albert-László Barabási）可以用Google搜尋他，在Google搜尋結果已經有他的專屬小頁面。物理學家出身，後來專門研究網絡科學。這本書說的不是成功學，而是有關成功可重複、可驗證、有數據支持的的成功科學。

 

巴拉巴西和他的研究團隊寫這本書的數據從哪來？

* 他們統計有史以來所有的學術論文，分析每一位學者是怎麼成長起來

* 他們拿到美國每週所有的圖書銷量數據，看看每一書是怎麼暢銷的

* 他們有全世界所有的博物館和藝術展覽館中的數據，這樣他們能知道現代每一個藝術家是如何發跡的

這也是本編喜歡這類科學著作原因，寫一本書需要一個團隊，而且擁有多項最新數據甚至親自調研實驗，從中獲得洞見。

品牌成功公式定律一：有客觀指標看數業務表現，沒有指標看社會認可

先解釋名詞

業務表現：專業能力、分數、成績、業績…等劇數據的客觀硬指標

社會認可：你的作品被誰分享、獲得什麼獎、在哪裡辦展…等受到我們認可或親賴的

 

考高中大學、體育競賽、最強銷售員這種有明確分數比較的行業，成績就擺在那，誰也不可能眼睜睜把100分排名放在95分後面。

並不是所有行業，業務表現再怎麼強就是成功，因為它沒有客觀分數給競選者比較。比如藝術品、電影、選舉、網紅；你可能會說：這幾個都有拍賣價格、票房、票數、追蹤粉絲等數據難道不客觀嗎？是數據沒錯，但這些數據並不是體現在業務表現，而是我們對你的認可，你的成功是我們決定；是我們的主觀喜好，決定你的成功。

本書研究的是如何提高「社會認可」幫助你成功，作者巴拉巴西說：「成功不是取決於你的業務表現，而是取決於你的業務表現對「社會網絡」的用處。」

 

在資訊豐富時代，大家可從網路認識某項領域基本功，持續刻意練習做到大師水平來提升業務表現。可以說是大師、專家、高手，但並不等於成功；你的成功由我們決定。

如何提高品牌成功機會

我們說個極端例子「藝術品」，可以知道下面這幅畫《戴金盔的男子》值多少錢嗎？

這幅畫價值連城，因為它被認為是倫勃朗（Rembrandt）的作品。人們會在各類美術出版物裡對這幅藝術史名作提及並予以讚賞。

但在1985年後，《戴金盔的男子》價格瞬間掉落谷底，再也沒人討論過它了。因為有專家證明這幅畫其實是倫勃朗一位不知名學生畫的。

 

我們再來看下一幅作品。2005年，有人花一萬美元買下這幅《救世主》。2017年買主把這幅畫賣了，成交價是4億5千萬美元。因為它在2011年被鑑定為是達文西（Leonardo da Vinci）作品。

當然我們承認藝術是有門檻的，需要有一定業務表現。但是你也得承認，藝術品的價值判斷非常主觀。藝術品的價格不是由「好壞」，而是由藝術的「社會認可」決定。

巴拉巴西和其團隊在一個很偶然機遇竟然得以探測藝術網絡的全貌。他們得到了從1980年到2016年間所有藝術品的交易和展出數據，其中包括14000個畫廊和8000個博物館，涉及到50萬個畫家，總共300萬幅作品的成功定理中發現規律。

 

上流社會人捧人

上流藝術圈是由畫廊、博物館、收藏家和藝術家構成的社會。如果你的作品被上流收藏家用一百萬美元購買，哪怕你下一個系列作品沒有第一次好，畫廊還是會安排人用同樣價格購買你個畫，因為如果你的畫跌價了那之前買的那個人怎麼辦？

上流社會是個圈子，只要你進圈了，這裡面的人就會確保你在這圈子裡，從此你就屬於上流圈。並且保證你作品價值只升不降，這將符合所有人利益。

如何成功逆襲

巴拉巴西可以看到那些成功藝術家不是因為老師厲害，要不就運氣好。有沒有那種一開始從新手村出發，一路晉升到頂級網路成功案例呢？

有，非常少，在50萬名藝術家中，僅227名成功逆襲，約萬分之4.5。不過巴拉巴西在這227名逆襲成功者中發現兩項共同點。

1. 他們動作非常快，都在職涯發展的10年內奮鬥到頂級畫廊
2. 他們完全知道社會認可重要性，他們會非常勤奮往世界各地頂級畫廊轉場、曝光，尋求一個認識、能上升的機會

圈子不好進，你可以…

頂層上流圈子是利益共同體，讓一個新人進來前會有多方評估。也因為圈子小，一般來說很難進。當大家想爭取進去時，你可以

1. 業務表現要有一定水準，這是基本且長久的。
2. 保持個人特色，不做大家在做的事，凸顯差異性。這和Anna Wintour建議的一致。
3. 養活自己，先要有自己穩定客群，而第一波客群是誰很重要，他們關乎你的品牌之後發展；而第一波客群又取決你前期產品、形象與訴求。
4. 營造口碑。其實口碑可以營造，當年畢卡索藉由這招讓自己打進上層圈；營造出品牌已經很成功感覺。
5. 如上一段，不知疲倦地出席各大場合，增加品牌曝光機會。像是SHOWROOM、被公認的獎項選拔，以及神人面前。後者可遇不可求，前面兩項可爭取。

資料來源：The Formula: The Universal Laws of Success
得到《萬維鋼精英日課第三季》

時裝説：「這本書預計寫三篇，這篇是最重要的，巴拉巴西幫我們將成功必要條件『業務表現』『社會認可』分開，後者相當重要同時也非常主觀。所以創造『情緒價值』也是一項可經營課題。」

時裝說：「感謝這次品牌專訪機會～我們對品牌路線變革，品牌名從DYC clothing到DYCTEAM；品牌訴求從有溫度的台牌，到自我風格，的轉變契機。」

 

Fly：「隨著時間齒輪滾動，品牌不變的，是定義自我主軸，齒輪轉動的溫度台牌猶在。我們從品牌視覺、文字、乃到店面門市夥伴的問候，期許能帶給客人，是有溫度的接觸和體驗。畢竟，跑國外展覽這麼多年，臺灣最美的，是人。」

 

Fly：「市場上無論衣服怎樣設計，不變的，是人穿衣服，而不是衣服穿人。舒適方便、符合日常多元場景，藉由穿的服裝來定義自我風格Define Your Character。」

時裝說：「在每次秀上都能看到DYCTEAM的代表作品之一的『緹花丹寧』，總讓我們愛不釋手，想請問品牌在產品系列上的特色。」

 

Fly：「DYCTEAM每季有兩大支線，一是我們經典Basic：色系上走黑白灰路線，簡約並附機能性，我不喜歡多帶個包包出門，多口袋收納的細節設計是解決跟我有一樣需求的人。」

 

Fly：「2015年嘗試推出丹寧緹花單品，經過熱烈迴響決定開立分支系列Wear in Blue Collection到今天。當初，會想採用緹花丹寧，是看到台灣有這麼獨特有質感的素材，而且長年提供精品代工面料，而我們一直都堅持品牌能盡力以結合在地的素材、工藝為主。就在思考，臺灣有這麼棒的在地素材，如果也能運用在我們引以為傲的臺灣品牌上面一起走到國際，也是一種很棒的文化輸出！就這樣，擁有DYCTEAM設計的織紋，結合臺灣紡織技術，Wear in Blue 丹寧緹花變也成為我們品牌不可缺少的DNA。」

時裝說：「近期諸多合作案中，有沒有特別印象深刻的。」

 

Fly：「我們很幸運執行過很多精彩的合作案，從文化層面，到茶飲品牌，也有跨國像是與英國插畫家、日本設計師，或是包款專門的英國、日本品牌合作！不過如果提到「最沒有想到會這樣跨界的案例」，那就非2020年底-2021年初的『龍蝦伴手禮』跨界合作了！，當時適逢農曆年前，想到每年年節的時候總是一則以喜一則以憂，喜的是期待過節在家溫暖歡樂的圍爐守歲，享受好食材，憂的是，年菜總是大份量到連吃一週的隔夜菜！不只我們有這個煩惱，從我們自己的夥伴到我們的會員，有很大佔比是發光發熱中的設計師、小家庭，以及在事業上有所成就的中高階主管，這群消費者也跟我們有著一樣的困擾，於是找了扶輪社的好朋友「億鄉食品」，一起跨界了這個大膽的想像！深耕海產進出口近40年歷史的「億鄉」，為這次的合作引進一隻難求的頂級西澳龍蝦，DYCTEAM則負責打造包括：充滿台灣味的熱炒杯兩只、開瓶器，以及DYCTEAM品牌聯名Tee，最後用被粉絲稱為保冷袋界愛馬仕美名的提袋承裝。」

 

Evelyn：「除了好看，龍蝦伴手禮企劃乘載的不只是一個禮物的任務，我們希望這個兼具實用與美學的伴手禮，更能透過不同領域的職人來做開箱呈現，回應品牌一直在訴求的：日常風格。所以我們邀請了不同領域的職人作開箱，像是詹記麻辣火鍋那次，店長和二代目希望走詹記幽默風趣路線，現場完全真實的即興演出，笑料不斷。曾擔任2017與2018金曲獎金曲視覺統籌的 #三頁文 主理人顏伯駿出乎意料擁有超高廚藝，在這次的開箱演繹中展現不為人知的帥氣大廚面向大廚很帥。榮獲總統獎的藝術團隊金工藝術創造者的豪華朗機工則完全嶄露幾個大男孩日常率真創意的一面，套上聯名Tee，炭火一堆，啤酒一開，表現很Chill。同時，為了讓消費者了解我們對食品安全的重視與專業，西澳進口的龍蝦們就真真實實的放在億鄉食品零下30度的專業冷凍室以確保食材品質安全無虞，全程採無塵包裝，並做冷凍宅配到府，市場上反饋不僅覺得新鮮好玩，也在職人們播出開箱龍香料理後，獲得消費者不斷自主上傳自己的龍蝦料理和伴手禮的創意開箱，高互動性的過程讓品牌和粉絲間的溝通更緊密外，我們也看到了消費者非常創意的發文和開箱動態，印象深刻！」

時裝說：「近年來看到品牌榮獲金點設計獎、iF設計獎殊榮，有什麼感受及感言？」

Fly：「品牌建立的過程中，獎項不是預先設立的目標，但就累積的路上獲得了殊榮，的確是很重要的肯定！對我們團隊而言，持續做好每一天的每一個小事，把事情做對做好，就是我們最重要的事情。得獎了很開心，但我們仍提醒自己平常心，守住品牌的核心和價值，繼續前行。也藉由《時裝說》這個機會，再次感謝國內國外評審的肯定，我們會持續透過品牌的影響力做對的事情。」

時裝說：「經年海外發展，日本、馬來西亞、德意志、法蘭西、美利堅的心得和印象深刻的是？」

 

Evelyn：「印象很深刻是2017年時，我們開始使用碎邊布做友善環境單品，同時也有大約10-20%的系列實驗性的採用回收寶特瓶紗製作，在當時的時空背景，獨立設計師品牌在臺灣要量產回收素材，算是比較多進入門檻且取得不易，所以當我們開心的在巴黎、德國、丹麥，眉飛色舞分享我們的努力和設計成品時，才驚覺這早已是他們日常。但也因這趟秀展，更堅定了品牌要朝友善地球的目標繼續前進！雖然過程迎來許多挑戰；不過我們很開心在 2 年後看見精品們共同發起G7會議肯定了我們從2017年便開始耕耘的決定。」

 

Fly：「另一個是美學的建立。美學是我們有意識堆疊起來的生活文化。南韓比我們早了20年有意識建置時裝週培養他們時裝美學，日本更早。臺灣近年也開始有文化部主導，樺舍等專業團隊執行，引進國際規格，陸續重新堆疊屬於我們臺灣時裝美學文化與意識，這是一件我們都樂見且榮幸身在其中的一件美事。」

時裝說：「作為臺灣時裝品牌一份子，DYCTEAM走過10年，對品牌未來期許、或達到怎樣目標？」

Fly：「成為百年品牌。歐洲中世紀就開始保留行業世代傳承，包含許多姓氏也和職業別有關。直到今天在歐洲許多店舖都是百年品牌；日本也是一樣。這兩個地方世代堆疊文化傳承。」

 

Fly：「對於DYCTEAM來說，商業模式要可以被複製。相較於全世界時裝文化，臺灣就像幼稚園剛起步。我們能做的，是持續往國外走，並呼籲和其他臺灣設計師一起拓展海外。」

 

Evelyn：「疫情前，品牌每季跟著四大時裝週走，每當買家索取品牌資料時，我們做的不只是提供DYCTEAM的商品資訊，更會附上由觀光局策畫，邀請外國人遊歷臺灣並介紹臺灣食衣住行各面向的影片，讓海外的買家透過他們熟悉的語言與視角認識臺灣，進而加深對臺灣品牌的認識。對買家而言，短時間要吸收全世界的品牌資訊是難消化的。我們能做的，便是先吸引他們願意駐足，接著透過世界共通的語言－服裝和設計，持續輸出臺灣文化。」

Fly：「希望下一個十年，國外或任何媒體介紹代表臺灣時裝品牌，DYCTEAM會是其中一員。」

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